Urban Art Avenue

Super Mimi !!

2012-01-26T14:11:00.003+01:00

Retrouvez en exclusivité sur Urban Art Avenue les nouvelles oeuvres de Mimi the Clown, street artiste pochoiriste lillois de talent : ses vinyles, signés et datés et ses sérigraphies sur papier journal, datées, signées et numérotées.

Les clowns de Mimi provoquent, interrogent, font vivre les murs des villes et réveillent les consciences endormies avec humour et dérision.

Venez les découvrir sur notre galerie en ligne !

New Loona

2012-01-16T09:43:00.005+01:00

Voici en exclusivité mooooondiale, les nouvelles oeuvres numériques sur toile d'Alice Clément aka Loona en ligne sur www.urban-art-avenue.fr...

L'univers artistique de Loona est poétique, doux et féminin, inspiré par le monde qui nous entoure et les sujets d'actualité.

C'est aussi la rencontre de différents courants comme le street-art ou l'art nouveau; elle a le goût du détail, et aime travailler en patchwork en mélangeant les techniques et les supports, on y retrouve le collage, le dessin, la peinture et la photographie.... A l'aise sur tous supports, la récup et la customisation font partie intégrante de ses compositions. La couleur et la vie sont au coeur de sa création.

Ses œuvres sont imprimées sur toile, en édition limitée à 30 exemplaires, signées et numérotées de la main de l'artiste. Un certificat d'authenticité est fourni avec chaque oeuvre.

Demandez l'programme

2012-01-11T17:41:00.007+01:00

A l'orée de cette nouvelle année, nous vous proposons le programme des festivités pour les mois à venir :

- Du 20 au 24 Février, Little Beaubourg, exposition au Pavillon des Fêtes de Levallois Perret, place de Verdun avec Hubert Hamot, Alesko, Midou 313, and special guest.

- Du 31 Mars au 13 Avril (sous réserve), Exposition Alesko, Galerie 154, Rue Oberkampf, Paris 11, vernissage le 7 Avril en présence de l'artiste.

- Du 4 Avril au 2 Mai, Exposition Fashion Spirit II avec les oeuvres d'Angéline Mélin au 4 Elements, 149 Rue Amelot, Paris 11, vernissage le 4 Avril à partir de 19h en présence de l'artiste.

- Du 18 au 25 Avril, Exposition Hubert Hamot & Zalez, Galerie Artes, 11 Rue Frédéric Sauton, Paris 5, Vernissage le 19 à partir de 19h.

- Du 6 au 13 Juin, Exposition Mimi the Clown, Stoul, Midou 313, Alesko vs Exit Man + special Guest, Galerie In My Room, 32 Rue Rodier, Paris 9. Vernissage le 7 à partir de 19h.

- Du 15 au 21 Octobre, Exposition Alice Clément, Marjorie Herrero & Angéline Melin, la Boulangerie, 30 Rue des Trois Frères, Paris 18.

Le grand jeu de piste urbain continue en 2012 !!

2012-01-11T12:02:00.004+01:00

Qu'on se le dise 2012 sera ludique ! Enfin pour Urban Art Avenue en tous cas, et oui puisque notre grand jeu de piste en plein air continue, pour plus de fun !

Pour participer rien n'a changé, c'est toujours aussi simple : photographiez un pochoir Urban Art Avenue sur un trottoir dans les rues de Paris, et envoyez nous la photo par mail à contact@urban-art-avenue.fr

Quelques modifications ont été apportées pour pimenter un peu le jeu ! Nous vous proposons maintenant un code couleur : une couleur, une réduc !

* 50€ vous seront offerts pour un pochoir vert

* 40€ vous seront offerts pour un pochoir jaune

* 30€ vous seront offerts pour un pochoir rose, bleu ou blanc

Conditions :

Une seule participation par personne

Offre valable pour l'achat d'une seule oeuvre d'art sur notre site

Offre non cumulable sur différentes couleurs de pochoir

La photo de pochoir doit être de bonne qualité et envoyée à contact@urban-art-avenue.fr avec vos coordonnées pour l'envoi de l'oeuvre

La réduction sera déduite du prix affiché sur le site

Voir modalité de paiement sur le site

Zoom sur le Light Painting

2012-01-06T15:47:00.007+01:00

Picasso par G.Mili

La technique peut paraître simple, puisqu’il s’agit de dessiner dans l’espace et devant un appareil photo sur un pied et en pose longue, avec une source lumineuse qui laissera au final un filet de lumière dans l’esprit des photos nocturnes ne laissant apparaître que les phares des voitures et pas les voitures elles-mêmes.

Si, avec le numérique sa pratique a tendance à se développer, elle est toutefois loin d’être récente puisque la paternité de la méthode est attribuée à Gyon Mili (pour la photo) et Pablo Picasso (pour le dessin). Le premier prenant en photo le second dans son atelier de Vallauris, les gestes de PP sont fixés par la pellicule (autres temps...), lui même n'apparaissant que de façon évanescente sur le cliché.

Aujourd’hui la technique connaît un second souffle avec l’apparition de jeunes artistes et l’avènement du numérique. Avec des motifs plus ou moins travaillés, cela requiert une bonne dose de préparation en amont afin de « répéter » les gestes nécessaires à l’obtention d’un dessin propre s’accompagnant parfois d’une mise en scène en fonction des artistes. A l’instar des crews de graffeurs, le light painting peut se pratiquer en collectif, chacun apportant sa pierre à l’édification d’une œuvre commune.

Parmi les artistes les plus reconnus citons : Michael Bosanko, Patrick Rochon, Lichtfaktor, Cenci Goepel, Swit Lightgraff, Eric Staller, Ryan Warnberg & Michelle McSwain, Sola, Alan Jaras, Dean Chamberlain, Toby Keller...

* NB : Pablo Picasso n’a pas inventé le chemin de fer, l’hélicoptère, l’ampoule à incandescence ou le fil à couper le beurre...jusqu’à preuve du contraire, par contre le reste c’est lui.

Un rocher dans la mare

2012-01-06T13:16:00.007+01:00

« Vous êtes de la merde dans un bas de soie », la phrase adressée par Napoléon à Talleyrand était péremptoire et désormais obsolète mais peut-être remise au goût du jour sous la forme : « vous êtes de la merde dans un costard Armani » justifiant le principe selon lequel les racailles ne sont pas systématiquement celles que l’on croit et qu'elles peuvent également vivre dans les beaux quartiers. La différence est que la racaille de banlieue n'est pas décorée de la Légion d'Honneur, elle.
L’actualité artistique se nourrit de temps en temps de certains scandales retentissants dont votre serviteur – charogne dans l’âme - prend un malin plaisir a s’en faire l’écho tant il est vrai que la presse artistique ne s’étend pas sur le sujet.
Le dernier en date, auquel France 3 a consacré son magazine Pièces à Conviction mercredi dernier est lié à l’Institut Wildenstein qui publie les catalogues raisonnés de nombreux artistes répertoriant notamment l’ensemble des œuvres de Claude Monet depuis ses premiers coups de pinceau jusqu’à sa mort (5 tomes, si vous avez des troubles du sommeil, vous avez la solution). L’institut Wildenstein faisant foi dans l’attribution ou non d’une œuvre à Claude Monet et toute contre-expertise étant impossible, il se plaçait en situation de monopole en la matière, les Wildenstein étant eux-mêmes marchands par conséquent en certaines occasions juge et partie, il est difficile de ne pas douter de leur neutralité.
Pour vous donner une idée, certains acheteurs de toiles ayant un doute quant à l’identité de l’auteur se sont vus refuser le fameux sésame par ledit Institut. Or l’œuvre une fois revendue s’est retrouvée labellisée du sceau de l’authenticité au profit du nouvel acquéreur et oh surprise exposée au Musée Marmottan ; étant donné le montant du prix de vente d’une œuvre de Monet qui se chiffre en plusieurs dizaines de millions d’euros, le préjudice est de taille. Autre exemple : un anglais détenteur d’une œuvre achetée l’équivalent de 8000€ et examinée scientifiquement sous toutes les coutures (rayons X, analyse chimique des pigments et de la signature etc.) ne peut malgré tout se prétendre propriétaire d’un « vrai » Monet dans la mesure où l’œuvre n’est ni répertoriée ni authentifiée par les soins de l’organe tout-puissant.

S’il n’y avait que ça : le hic est que l’affaire en question ferait passer l’affaire Bettencourt pour un aimable vol à la roulotte. La liste est longue : héritière évincée par les fils du fondateur de l’institut sur la base de documents falsifiés faisant apparaître une soi-disant dette fiscale de 5 Millions d’euros, tableaux disparus lors de diverses successions dont Daniel Wildenstein était l’exécuteur testamentaire, évasion fiscale par l’intermédiaire de montages financiers et de trusts faisant transiter l’argent dans des paradis fiscaux, abus de confiance etc. Si la présomption d’innocence m’oblige à ne pas enterrer les accusés, le documentaire remarquable de Magali Serres qui est le fruit de trois ans d’investigations a pris le soin de commencer à creuser délicatement le trou au tractopelle, d’autant plus que Guy Wildenstein a décliné l’invitation lors du débat qui suivait...pas vraiment le meilleur moyen de se défendre.
Tant qu’il existera des gens dans n’importe quel milieu qui se pareront de leur costard sur mesure pour justifier une intégrité de façade, comptez vos doigts après leur avoir serré la main...

Hommage au stagiaire inconnu (mort pour l’art)

2011-12-29T12:18:00.003+01:00

En cette fin d’année morose et à l’heure où Urban Art Avenue vient de perdre son triple A (horreur !), nous souhaiterions rendre hommage à un individu non identifié qui pourtant essaime dans le milieu artistique : le stagiaire.

Pratique et malléable comme de la pâte à modeler Playskool, le stagiaire est rémunéré grassement, reconnu de tous et toujours respecté. A l’issue de son stage, il soit rendre compte de son expérience à l’école qui pratique sa traite et le conçoit comme monnaie d’échange sous forme de rapport. A la fin de son stage il peut également prétendre à un parachute de plomb.

Considérant naïvement qu’il s’agit d’une porte d’entrée dans le monde de l’art, le stagiaire, le plus souvent accepte espérant – toujours naïvement – que peut être éventuellement à tout hasard mais c’est pas sûr, il pourra se voir proposer un CDD de 12 mois renouvelable jusqu’à ce que mort s’ensuive, contribuant ainsi à entretenir un système rodé et approuvé.

En attendant ce jour béni des Dieux, le stagiaire a le droit de fermer sa gueule pour 30% du Smic (perso je l’ai fait pour pas un rond), en payant de sa poche la cantine réservée aux employés modèles qui eux ont su se faire une place au Royaume des Cieux en se faisant entuber mais avec le sourire (c’est là toute la différence).

Pendant que son employeur, qui par ailleurs ne le connaît pas, court les dîners mondains et se gargarise de sa réussite en se masturbant l’égo devant des idolâtres vénaux recherchant ses bonnes grâces, le stagiaire court chez Leader Price s’acheter son paquet de BN Marque Repère qui lui tiendra lieu de repas du soir.

Le stagiaire se demande s’il peut se permettre de rester au service du notable arrogant qui regarde serveurs, femmes de chambres, et vendeurs de fringues comme des untermensch sans avoir à se prostituer ou à quémander de l’argent à ses parents.

Toi oui toi, qui t’apprête à mettre ton corps au service d’une cause aussi noble que celle de l’art, prends garde et reçois cet hommage, certes modeste, mais puisque aucun monument ne rend hommage à ces jeunes hommes ou femmes de l’ombre, fourmis ouvrières oubliées et anonymes, sois assuré(e) de ma plus profonde considération...et lâche ce téléphone portable quand je te parle et va me faire un café !!

Cumulards au Placard !!!

2011-12-28T13:07:00.006+01:00

Si le cumul des mandats en politique est une pratique admise depuis déjà bien longtemps, le gratin artistique compte dans ses rangs nombre d'éminents spécialistes dont l'avis voire la simple présence sont demandés en premier lieu. Le circuit fermé où Monsieur Cul et Madame Chemise fréquentent assidument le beau monde, celui dans lequel s'échangent politesse de façade et rires ad hoc est en effet le pré carré de quelques mondains devant qui il est de bon ton de se prosterner obséquieusement afin de rentrer dans ses petits papiers pour s'enfiler euh...sa chemise bien sûr.
Les nouvelles têtes sont hélas trop rares à moins d'avoir été adoubées par le suzerain, celui dont l'avis comme l'égo encombrent les manifestations artistiques. Le pire est que ce monde d'héritiers placés là pour certains par relation ne s'embarasse pas de considérations aussi terre à terre que le talent ou la nouveauté puisqu'il est impossible de trouver un jury, un comité, un salon, une expo ou une vente aux enchères où ils ne soient pas invités à vendre leur avis ou leur brushing. Bien sûr, la caution morale ainsi apportée permet à la manifestation d'afficher une certaine ampleur et une crédibilité sans faille sous la complaisance des médias pour lesquels l'art se doit d'être gouverné par quelques tartines de strass et de paillettes enrobé de sensationnalisme à plusieurs zéros. Quid de la forêt cachée derrière l'arbre ? On s'en fout. Pas de pognon, pas d'audience, pas crédible !! Les éléphants du monde de l'art s'embarassent-ils de l'opinion des souris qui leur filent entre les pattes ? Ils ne les voient même pas...

Bienvenue à Stoul !!

2011-12-27T12:52:00.005+01:00

En cette période de fêtes nous sommes heureux d'accueillir et de fêter avec vous l'arrivée sur notre galerie d'art en ligne de l'artiste Stoul !

Jeune artiste parisienne à l'univers ultra féminin et félin, elle vous séduira par sa fraîcheur et ses compositions colorées, un brin vintage, pop et romantique...
Les personnages de ses oeuvres, fameuses héroïnes aux allures toujours raffinées, s’inspirent de sa passion pour la haute-couture et la culture nippone (kawaï et mangas).

Stoul dessine et peint depuis son plus jeune âge. Après son passage à l’Ecole Boulle où elle s’initie au mobilier et au design, elle se tourne à nouveau vers la peinture en 2001. Elle fréquente des squats d’artistes comme le 59 Rivoli, avant de s’installer en 2005 dans son atelier à Montrouge en région parisienne.

Nourrie de cultures alternatives, enfant des médias émergents, ses créations se font l’écho de différents courants artistiques à la fois identifiables et mêlés.

Polyvalente et envisageant son travail de manière transversale, elle multiplie supports et outils : customisation d’objets et d’accessoires, design graphique, illustration, décoration ... Elle a ainsi développé divers projets de commande et des collaborations avec des marques, des créateurs et des éditeurs.
Aujourd’hui ses oeuvres sont principalement vendues à Paris, en province, en Europe et aux U.S.A.

BOOGIE WOOGIE SISTER N°3

Acrylique, Huile et impression sur toile
Collection Let's Rock Again 2011
40 x 40 cm
Oeuvre unique
Signée par l'artiste

Jeu de piste Urban Art Avenue, ca continue !

2011-12-13T13:24:00.003+01:00

N'oubliez pas de participer à notre jeu de piste Urban Art Avenue dans les rues de Paris jusqu'au 31 décembre 2011 !!

Il vous suffira de photographier un pochoir Urban Art Avenue, dans les rues de Paris, sur un mur ou sur un trottoir et de nous envoyer la photo par mail.

50 euros de réduction vous seront offerts sur l'oeuvre de votre choix d'une valeur minimum de 150 € sur notre site http://urban-art-avenue.fr/Accueil-FR.html.

Conditions /
Une seule participation par personne /
Offre valable pour l'achat d'une seule oeuvre d'art sur notre site /
La photo de pochoir doit être de bonne qualité et envoyée à contact@urban-art-avenue.fr avec vos coordonnées pour l'envoi de l'oeuvre /
50€ seront déduits du prix affiché sur le site /
Voir modalités de paiement sur le site.

Vernissage Alesko + DJ Trashel, Lamâche et Jay call au 4 Eléments

2011-12-08T17:08:00.006+01:00

Le vernissage des oeuvres numériques et des dessins d'Alesko, mercredi 7 décembre 2011

Soirée electro assurée par Trashel, Jay Call et Lamâche.

Au bar-club le 4 Eléments, 149 rue Amelot, Paris 11°.

C'était bien, vivement la prochaine soirée artistique !

Merci à tous d'être venus

Merci aux trois DJ de talent : Trashel, Lamâche et Jay Call pour l'ambiance festive

Merci à toute l'équipe du 4 Eléménts pour la bonne humeur

Merci à Alesko pour sa confiance

Vernissage Alesko + DJ Trashel, Lamâche et Jay call au 4 Eléments

2011-12-01T15:47:00.010+01:00

Urban Art Avenue, galerie d'art nomade vous invite à découvrir les œuvres numériques et dessins d'Alesko au bar club le 4 Eléments, pour un vernissage en musique, mercredi 7 décembre à partir de 18h.

Entrée Gratuite !

Les personnages d'Alesko se situent à la croisée du mystique, de l'humain, du totem et de la machine. Pleine de poésie et très ludique, sa peinture s'exprime aussi bien sur la toile que sur des matériaux de récupération. Dans son univers on trouve des personnalités multiples, des êtres étranges, des microcosmes, des aliens, le cosmos, des monstres fabuleux, le fourmillement de la vie, l'invisible autour de nous, les villes, les lumières...

Pour l'occasion, Urban Art Avenue s'associe à trois DJ dont le talent n’est plus à démontrer et vous propose une soirée en musique. Aux platines, Trashel, du très arty collectif E-Klozin’, sera entouré de deux figures montantes de la scène parisienne : JayCall et Lamâche, respectivement résidents des soirées MUTE et PTML (Prête-moi tes lunettes). Ils assureront à ses côtés des sets sur mesure pour une ambiance soignée et festive !

Expo du mercredi 7 décembre 2011 au 1er janvier 2012 :

Urban Art Avenue
http://www.urban-art-avenue.fr/Accueil-FR.html

Alesko
http://www.urban-art-avenue.fr/Details-FR-203.html

Page Facebook
https://www.facebook.com/pages/Urban-Art-Avenue-Galerie-dart-contemporain-en-ligne/153707547984195

Musique :

Jay call / Mute, Paris
http://soundcloud.com/jaycall

Lamâche / PMTL, Paris
http://soundcloud.com/lam-ache-or-lettuce

Trashel / E-Klozin', Paris
http://soundcloud.com/trashel

Partenaires :
E-KLOZIN': http://www.eklozin.fr/
E-Klozin' est un collectif qui a pour objectif la promotion de la musique électronique, de l’art contemporain et des sports extrêmes.

Infos pratiques :

Bar club le 4 Eléments : http://www.bar4elements.com/
149 rue Amelot, Paris 11°
Métro République ou Oberkampf

Ouverture :
Mercredi et jeudi : 18h - 2h
Vendredi : 18h - 4h
Samedi : 21h - 4h

Happy Hour 18h-21h

Timothée Silie s'expose au BANG! restaurant

2011-12-01T15:25:00.005+01:00

Nous vous proposons de faire escale et de partir à la découverte des délires numériques psychédéliques de Timothée Silie qui seront exposés au BANG! restaurant, sur le Canal Saint-Martin, du 15 décembre 2011 au 15 janvier 2012.

112 Quai de Jemmapes, 75010 Paris. Métro Gare de l’Est ou République.

Venez partager un bon moment en famille ou entre amis dans un endroit branché de la capitale, décoré des impressions numériques sur toile d’un jeune artiste plein de talent ! Ses toiles sont numérotées, signées et fournies avec un certificat d’authenticité. C’est Noël, faites-vous plaisir avec une oeuvre originale et accessible !

Timothée Silie a un faible pour tout ce qui touche à la culture nippone, du manga papier à l’animation, en passant par les hard toys qui s’imposent en terme de character design foisonnant de couleur et de styles différents. Ces univers colorés et délirants l’influencent beaucoup dans sa création de petits monstres kawaï.

Bang! est le premier restaurant à Paris à se spécialiser dans les viandes du monde (angus du Kansas, bœuf français, écossais, argentin, porc de l’Aveyron et magret de canard du Tarn…) et dans les vins naturels (Villemade, Bussière, Cosse…). Vous pourrez vous délecter d'un menu (22€ et 27€) ou des paraillades (planches de fines lamelles de viande que le client cuit lui-même sur des plancha en pierre de lave). Bang! propose également quelques plats végétariens...

Apologie de l'exception

2011-11-28T18:30:00.005+01:00

C'est bien connu l'humanité se divise en deux catégories : les pour et les contres, les riches et les pauvres, les bons et les méchants, les in et les out, ceux qui ont un pistolet chargé et ceux qui creusent, la gauche et la droite, les blancs et les noirs, les homos et les hétéros, les hommes et les femmes, les alcooliques et les anonymes, arnold et willy, les bourreaux et les victimes, les on et les off, bref tous ces 0 et ces 1 qui tendent à une pensée binaire, pas unique pour autant mais qui s'en approche d'un peu trop près. Cette simplification extrême de la pensée au delà de la schématisation parfaite qu'elle implique n'amène aucune dérogation aux deux cases préalablement établies. On DOIT appartenir à l'une ou à l'autre, c'est ainsi beaucoup plus facile pour l'Insee, l'IFOP, l'IPSOS et le reste du monde en général... sinon c'est le bordel et on y comprend plus rien.

Si j'en viens à ce triste constat c'est que j'ai récemment eu droit a une petite leçon qui tendait à définir le bon et le mauvais marchand dont la définition est tirée du même tonneau que celui du chasseur, à savoir que le bon marchand est avant tout un collectionneur, le mauvais non.

Kékifé le bon marchand ? D'abord il est gentil, gouzi, gouzi et s'il peut être mondain c'est un plus, le top est de rire avec complaisance aux blagues des gens importants à ses yeux avec une petite courbette en prime. Ensuite Il se constitue un stock d'un artiste qui a déjà un pied et demi dans le trou, stock qu'il laisse dormir tranquille dans le fond d'une cave sèche, c'est mieux, et sur lequel il ne touchera bien évidemment aucun intérêt. Bon pour ceux qui n'en ont pas assez sous le pied pour vivre 10 ans voire plus sur un stock qui ne vous rapporte rien dans l'immédiat, trouvez une paire de godasses à semelles ultra dures, et commencez à planter des patates. Votre étiquette de mauvais marchand vous condamne d'ores et déjà au pilori toujours selon les critères intangibles de cette sommité du monde de l'art.

Il ressortira alors son stock poussiereux au compte goutte au moment opportun afin de pouvoir toucher le fruit de son travail et de son investissement. On arrête le distinguo ici.

Si la dose létale de cynisme de cette personne – autoproclamée bonne marchande - ne vous a pas encore fait passer l'arme à gauche amis marchands, libre à vous de déshumidifier/dératiser/décafardiser votre cave. Après tout à quoi ça sert d'accrocher un tableau quand on peut le garder au frais à la cave et le laisser se décanter ? C'est précisément le but dans lequel un artiste travaille et consacre sa vie.

S'il vous prend encore l'envie de spéculer sur l'art, un conseil : même votre compte courant à la caisse d'épargne est mieux rémunéré... c'est peu dire.

Pax Artistica....

2011-11-24T12:09:00.004+01:00

Aujourd'hui, je pourrais à l'instar de Fabrice Bousteau dans son édito regretter la domination des artistes qui revendiquent l'héritage de Duchamp dans l'histoire de l'art du XXème siècle et découvrir dans Beaux Arts Magazine, 94 pages plus loin la liste des coups de coeur de la FIAC où figurent essentiellement des installations...la critique s'arrête là. Quid des six artistes primés...cinq lauréats présentaient des installations...stooooop

Bref, vous l'aurez compris, l'immense honneur du coup de coeur Urban Art Avenue (l'Appellation sera déposée auprès de l'Union Européenne prochainement avec force de loi) est décerné cette semaine à Method Graphic.

Pour ceux qui auraient eu la chance de découvrir ses pochoirs si particuliers dans les ascenseurs de la station Abbesses en sacrifiant leur santé c'est à dire en prenant l'ascenseur au lieu de monter à pied et d'amputer votre espérance de vie de quelques minutes, vous avez pu avoir un aperçu du talent du jeune homme...ou sinon vous pouviez aussi regarder TF1 entre deux pages de pub.

Sa méthode à lui n'est pas de dégrader mais au contraire de retirer la couche de crasse que l'humain laisse sur son passage pour en faire des portraits au pochoir en négatif. Au delà de la recherche esthétique indéniable, il y a un réel message dont la spontanéité et les questions qu'il soulève sont universelles.

Si seulement la République mettait davantage à l'honneur des créateurs de cette trempe au lieu de leur filer des prunes...

Chronique d'un porc...

2011-11-18T12:21:00.003+01:00

Si dans le cochon, tout est bon, dans le taggeur, je cherche encore ce qu'on peut récupérer. Que tu viennes salir les murs de ton pseudo puisque tu n'as pas le courage de t'afficher sous ton patronyme, et venir marquer ton territoire comme un chien pisse sur un lampadaire...je peux encore l'admettre (pas le défendre, l'admettre). Mais quand il s'agit de venir poser trois lettres sur une toile à l'occasion d'une expo, tu n'encours que le mépris voire la haine. D'autant plus que la ville ne manque pas de murs ou de trottoirs où tu pourrais apposer ton sceau nauséabond. DQV ou DPV, puisqu'il s'agit de toi, si tu ne respectes pas le travail des autres (en particulier de MKT4, de Grégory qui met gracieusement à disposition les murs de son établissement et le nôtre), ne t'attends pas à la moindre forme de respect de qui que ce soit.

As-tu un besoin compulsif de reconnaissance pour venir barbouiller des toiles dont tu n'auras jamais le talent pour en réaliser ne serait-ce qu'une esquisse ? S'agit-il d'un pari avec des potes aussi cérébralement sous-développés que toi ? Le pourquoi de ce geste inepte échappe à toute personne qui aurait un tant soit peu de jugeotte, quant au comment, on s'en fout...

Je suis conscient que c'est faire bien trop de cas de ta petite personne que de t'adresser ces quelques lignes. J'espère au moins que tu es conscient que ton ego miséreux est indigne de figurer où que ce soit au même titre que ta signature, sinon dans le fond des poubelles et encore tu y serais plus indésirable qu'un cafard. Bref, ta propre considération est à l'exact opposé de ce que tu mérites vraiment.

En conséquence la fin de l'expo MKT4 au 4 Elements est anticipée, vous y retrouverez prochainement Alesko...

Portnawak

2011-11-14T15:21:00.005+01:00

Une baignoire de l’artiste allemand Martin Kippenberger a été dégradée par une femme de ménage à l’occasion d’une exposition consacrée à cet artiste à Dortmund. Trouvant manifestement l’œuvre un peu sale, notre technicienne de surface a enfreint la règle lui interdisant de s’approcher à moins de 20cm, et a entrepris de lui donner un coup de Cif (nettoie et fait briller) et lui a par la même occasion retiré sa patine...

Assurée pour 800000 € (ce qui sous entend que l’artiste est bien évidemment décédé), l’œuvre est irrémédiablement dénaturée, une baignoire propre ne pouvant en effet prétendre au statut d’œuvre d’art. La délinquante n’a même pas pris la peine d’apposer sa signature...par humilité sans doute.
Non tout n’a pas encore été exploré dans la salle de bain, après la baignoire et l’urinoir reste encore le bidet et la douche.

Au rayon découverte délicieusement subversive mais néanmoins d’une approche immédiate (comprenez par là que vous n’avez pas besoin de l’accompagner d’un laïus pseudo explicatif de 15 pages), Rodolfo Loaiza qui revisite les classiques de Disney à la sauce trash...faut pas désespérer de l’art contemporain, il faut juste chercher un peu.

Soket...new prints

2011-11-08T12:27:00.003+01:00

C'est tout frais, ça vient d'arriver. Nous venons de recevoir les impressions numériques de Soket après des jours et des jours d'impatience mal dissimulée. Voici un petit aperçu :

Ayéééééé

2011-11-04T15:40:00.002+01:00

Petit addendum au post précédent, les oeuvres numériques d'Alesko et Jean Gaël Deschard sont en ligne !!

Wazzaaaaaa ????

2011-10-28T16:01:00.005+02:00

De retour de chez l'imprimeur pour découvrir les toiles (numériques) d'Alesko (ou Exit Man, ou Wooz Tot) et Jean Gaël Deschard (ou Jean Gaël Deschard) que vous retrouverez très prochainement sur votre site préféré.

Ci dessous un petit avant-goût :

Alesko

Warming

Impression numérique sur toile

Editée à 25 exemplaires

40 x 30 cm

Jean Gaël Deschard

Spleen

Impression numérique sur toile

Editée à 12 exemplaires

45 x 31 cm

Engagez vous qu'y disaient

2011-10-26T16:27:00.004+02:00

Pour le peu de personnes qui nous connaissent déjà, et les trop nombreuses qui ne nous connaissent pas encore, vous avez pu vous apercevoir à travers la lecture de ce modeste blog que nous présentons relativement fréquemment des œuvres numériques des artistes avec qui nous travaillons (Cf. les post précédents, honteusement promotionnels)

Or certaines personnes dénigrent cet art qui a eu le tort de naître trop récemment arguant qu'un fichier numérique est duplicable à l'infini. Non seulement cet argument n'a pas lieu d'être étant donné que la reproduction d'une oeuvre d'art sous quelque forme que ce soit est loin d'être un procédé récent : le procédé de gravure sur bois s'est développé en Europe autour du quinzième siècle. Par la suite, d'autres matrices ont été expérimentées...sur bois (xylogravure), sur cuivre (eau-forte), sur linoléum (linogravure) entre autres permettant aux artistes de diffuser leur travail au plus grand nombre sans pour autant négliger la technique classique que constitue l'huile ou l'acrylique sur toile qui confère à l'oeuvre son caractère unique et le prix concomitant.

L'apparition de la sérigraphie – support privilégié de la plupart des artistes pop, Warhol en tête - a joué par la suite un grand rôle dans la technique de reproduction d'une oeuvre. En fait le discrédit attaché à la reproduction, est davantage du fait de diffuseurs peu scrupuleux dont l'artiste est parfois le complice, quels que soient le support et le matériau...certains sculpteurs contemporains peu a même de donner des leçons (et qui pourtant ne s'en privent pas), sortent ainsi des bronzes signés et estampillés ESA (Epreuve Spéciale d'Artiste) non numérotés à tour de bras pendant 10 ans...(si vous voulez le nom envoyez nous un mail, un indice : il expose Place des Vosges et à Honfleur)...D'autres plus connus mais aussi plus créatifs, dont le nom est resté à la postérité, Salvador D. (pour préserver son anonymat) ne se sont pas privés de sortir des bronzes à 300 exemplaires, ce que les gens ne savent pas, c'est que le chiffre de 300 correspond à une couleur de patine et qu'il en existe de 3 patines différentes.

Bien souvent, l'éditeur peu scrupuleux ne s'embarrasse pas de considérations comme le respect du client ou de l'artiste...tant que ça se vend, on imprime...après tout si deux personnes ont le même numéro sur leur exemplaire, la probabilité qu'elles se rencontrent est pour ainsi dire nulle.

L'apparition du numérique, il y a quelques années a changé la donne : un fichier peut dès lors être imprimé en dehors de tout contrôle et rien ne garantit au client, à part le certificat d'authenticité et la bonne foi du marchand (sur Urban Art Avenue vous pouvez y aller les yeux fermés : on fournit les deux...et gratuitement même, pardon pour la page de pub !) que son oeuvre n'a pas fait l'objet d'une édition précédente portant le même numéro...dans un format différent.

Une oeuvre numérique peut et doit effectivement être remise avec un certificat et/ou numérotée, ils ont jugé bon de limiter le nombre d'exemplaires pour un format donné...rien ne leur interdisant de réduire ou d'augmenter le format quand le nombre d'exemplaires initialement prévu est épuisé. L'avantage du numérique est qu'il permet quasiment d'imprimer l'oeuvre sur n'importe quel format, pour peu que la résolution du fichier d'origine soit suffisante...à charge pour le diffuseur bienveillant de justifier son prix de vente par un nombre d'exemplaires restreint, préalablement défini d'un commun accord avec l'artiste avant même que le premier exemplaire ne soit imprimé, et pour un format et support unique.

Nous prenons cet engagement solennel sur l'honneur, sur la Bible, le Coran, la Torah, sur tous les textes sacrés, le catalogue de la Fiac, et la vie de ma mère, je lève la main droite (même la gauche si vous voulez), je crache, croix de bois, croix de fer si je mens, je vais en enfer à condition qu'ils aient enfin installé la clim.

Upcoming (suite)...Soket en numérique

2011-10-21T14:16:00.004+02:00

Depuis tout à l'heure, vous avez tout loisir de contempler les oeuvres numériques de Soket sur notre site. Elles sont parties à l'impression en début de semaine in Deutschland, nous devrions les recevoir très prochainement...

What else ?

2011-10-20T17:59:00.005+02:00

Ca y est ça recommence...après un an d'accalmie relative, une crise grecque devenue mondiale, un tsunami, et un réacteur nucléaire qui prend l'eau, on aurait bien droit à un peu de repos, non ? Mais non, y a des jours comme ça où le sort s'acharne ; avec la chute des feuilles et la hausse des prix s'annonce une fois de plus la traditionnelle semaine où les dévots de l'art contemporain se consacrent à leur activité favorite : rendre une petite visite à la FIAC, après tout c'est tellement plus chic que le Salon de l'Agriculture et au moins ça pue pas la bouse, par contre le rire hypocrite complaisant c'est une autre histoire...

Oui parce qu'à l'instar du prix du tabac et des sodas, l'entrée de la Fiac subit une inflation galopante : pour la modique somme de 32€ (contre 28€ l'an dernier) vous pourrez acquérir le droit de vous extasier devant le gratin artistique international soigneusement sélectionné par Saint Pierre les yeux fermés. A ce train là, d'ici quelques années les œuvres présentées seront moins chères que le billet d'entrée...bon y a de la marge mais quand même.

Déjà si vous allez sur le site de la fiac juste par curiosité (votre compte ne sera pas débité), c'est à se demander s'il le font pas exprès, faut rentrer son adresse email, même virtuellement on n'y rentre pas comme ça !

N'en déplaise à Martin Bethenod qui clamait hier dans le tube haut et fort que l'art contemporain n'a jamais été autant populaire (oui dit comme ça, ça fait tout drôle), je rechigne encore à me délester de cette somme qui alourdit inutilement mes poches. Pourtant avant d'entendre de sa bouche que oui il était possible de trouver quelques rares artistes talentueux ailleurs qu'à la Fiac...si, si au Palazzo Grassi à Venise, le siège de la Fondation Pinault qu'il dirige depuis un an. Après cette subtile séance d'auto promotion et quelques pensées tellement profondes à propos de Maurizio Cattelan qu'on a du mal à en saisir le fond, il décrète que l'Art contemporain sans un discours à propos d'une oeuvre long comme la version director's cut de Shoah de Claude Lanzmann ne peut mener qu'à une compréhension superficielle de la démarche de l'artiste...évaluée par les soins de son éminence à 10-15%, les 80% de vérité restants étant détenus contre leur gré par son ego surgonflé.

Que voulez-vous ma pov Dame, l'Art contemporain ne s'embarrasse pas de sentiments simples, spontanés et accessibles, à quoi servirait Martin Bethenod autrement, vous y avez pensé vous ?

Upcoming in November

2011-10-20T14:26:00.004+02:00

C'est nouveau ça vient de sortir, les nouvelles oeuvres de Hubert Hamot (aka Numartis) en petit format, sur Dibond toujours allant du 20x27 cm au 26x46 cm. Pour les grands formats, ceux-ci sont toujours accrochés au 4 Elements jusqu'au 2 Novembre, 149 Rue Amelot, Paris 11.

Urban Art Avenue & Agitation Créative : Expo-vente

2011-10-18T15:57:00.003+02:00

Urban Art Avenue vous invite à une expo-vente de créateurs pas comme les autres, organisée par Agitation Créative, samedi 3 décembre au Comptoir Général, 80 quai de Jemmapes, Paris 10°, métro République.

L'occasion de découvrir nos nouveautés, croquis, dessins et impressions numériques sur toile, toujours à des prix accessibles !

Venez nombreux, l'entrée est libre de 11h à 22h !!!

MKT4 au BAR-CLUB LE ELEMENTS

2011-10-18T12:48:00.004+02:00

Retrouvez l'univers joyeux de MKT4 au 4 Elements dans une ambiance électrique

Vernissage le mercredi 2 novembre à partir de 18h !

Entrée libre

Expo du 2 au 30 novembre

149 rue Amelot, Paris 11°, métro République

Numérik : expo collective, les photos

2011-10-04T12:21:00.008+02:00

Voici quelques photos de l'expo Numérik avec les oeuvres de Violette Benilan, Angéline Mélin et Timothée Silie, qui s'est terminée hier.

Merci à tous ceux qui sont venus mettre de l'ambiance et à bientôt pour de nouvelles aventures artistiques !

Croquis et dessins de Zalez tout nouveaux tout beaux

2011-09-23T15:11:00.004+02:00

Ce qui est bien avec Zalez c'est sa polyvalence. Vous avez pu apercevoir une partie de son talent avec ses photos de pochoirs installés dans une nature vierge et paradisiaque, mettant ainsi en scène le corps de la femme avec beaucoup de sensualité, vous pourrez désormais découvrir sur notre site ses dessins, affiches et sérigraphies dont voici un échantillon...

Superbe démenti à ceux qui affirment que le pochoir n'est que l'art de ceux qui ne savent pas dessiner...

Exposition des oeuvres numériques de Numartis au bar-club le 4 Eléments

2011-09-23T14:47:00.005+02:00

Venez découvrir ou redécouvrir les oeuvres numériques de Hubert Hamot au bar-club le 4 Éléments, lieu atypique et envoûtant où tous vos sens seront en éveil !!

Expo du mercredi 5 octobre au dimanche 30 octobre 2011

Vernissage le mercredi 5 octobre à partir de 18h !!

Retrouver en exclu les œuvres numériques en édition limité de Numartis sur notre site : http://www.urban-art-avenue.fr/Details-FR-102.html

4 Eléments : http://www.bar4elements.com/
149 rue Amelot, Paris 11°
Métro République

Illustrations d'Angéline en avant première mondiale

2011-09-13T13:49:00.005+02:00

L'expo Numérik arrive à grands pas (on le saura diront certains) et voici en exclu une tite sélection de nouvelles illustrations d'Angéline que vous retrouverez très prochainement sur votre site vénéré.

Jemmapes II (le retour contre-attaque)

2011-09-12T16:30:00.003+02:00

Passage de relais au Jemmapes (82 quai de Jemmapes, Paris 10ème), après deux mois de Violette Benilan, vous pourrez y retrouver les toiles de Laëtitia et Marc (aka MKT4) pour une durée encore indéterminée. Les impressions numériques de Violette vont quant à elles prendre très prochainement la route de Montmartre où elles seront exposées du 27 Septembre au 3 Octobre, à la Boulangerie, 30 Rue des Trois Frères aux côtés de celles d'Angéline Melin et de Timothée Silie. Le vernissage aura lieu le 29, à partir de 19 heures en présence de la Jet Set habituelle, service voiturier, Champagne, Caviar (à la louche), petits fours et autres chichis mondains de bon aloi !!!

Urban Art Avenue vous invite à Jardin Bonheur

2011-09-05T12:29:00.005+02:00

Retrouvez les oeuvres d'Alesko, Caroline Checcacci et Mimi the Clown pour la 6° édition de Jardin Bonheur, à Levallois, dans une ambiance chaleureuse, et en plein air avec environ 70 exposants (pépiniéristes, horticulteurs, paysagistes, designers, artisans...)

Vendredi 16 septembre de 14h à 19h

Samedi 17 septembre de 10h à 19h

Dimanche 18 septembre de 10h à 19h

Parc de la Planchette

92300 Levallois-Perret

Métro Anatole France ou Pont de Levallois-Bécon, ligne 3

Jeu de piste Urban Art Avenue

2011-08-18T16:35:00.009+02:00

Urban Art Avenue, galerie d'art en ligne vous propose un jeu de piste !!

Pour participer, rien de plus simple, il vous suffira de photographier un pochoir Urban Art Avenue, dans les rues de Paris, sur un mur ou sur un trottoir, entre le 1er novembre et le 31 décembre 2011 et de nous envoyer la photo par mail.

50 euros de réduction vous seront offert sur l'oeuvre de votre choix sur notre site www.urban-art-avenue.fr

Conditions :
Une seule participation par personne
Offre valable pour l'achat d'une seule oeuvre d'art sur notre site d'une valeur minimum de 150€.
La photo de pochoir doit être de bonne qualité et envoyée à contact@urban-art-avenue.fr avec vos coordonnées pour l'envoi de l'oeuvre
50€ seront déduits du prix affiché sur le site
Voir modalités de paiement sur le site

Numérik : expo collective

2011-08-04T14:47:00.003+02:00

Nous sommes heureux de vous convier à l'exposition collective de trois jeunes artistes illustrateurs et graphistes de talent aux univers différents, ne ratez pas l'évènement artistique de la rentrée :

Angéline Mélin, blogueuse reconnue fan de mode met en scène d’irrésistibles parisiennes pleines d'humour et de charme... est-il encore besoin de vous la présenter? Si oui, plus de temps à perdre courez voir l'expo !!

Violette Bénilan, jeune illustratrice vous séduira par son univers singulier et par son approche de l'intime et de la féminité, toute en grâce

et en délicatesse.

Timothée Silie, jeune graphiste à l'imagination débordante vous fera partager son monde plein de monstres et de bestioles bizarres et colorées.

VERNISSAGE LE JEUDI 29 SEPTEMBRE A PARTIR DE 19H

Visite libre tous les jours de 11h à 20h

La Boulangerie

30 rue des Trois Frères, Paris 18°.

Métro Abbesses, ligne 12.

Kdo

2011-07-18T15:54:00.002+02:00

S'il est toujours de bon ton d'offrir quelque chose à des personnes proches lors d'une occasion particulière, le cadeau manque parfois cruellement d'originalité : oooooh des chocolats ou oooooh un coffret chambre d'hôtes...je m'attendais à ça sauf à tout !!

Bon bien sûr, excusez mon cynisme habituel mais certaines personnes seraient davantage avisées de ne rien offrir plutôt que de contribuer outrageusement au chiffre d'affaires de Leonidas ou Jeff de Bruges à l'occasion des fêtes de fin d'année.

Reste les chèques cadeaux, en voilà une idée qu'elle est bonne, au lieu de remplir les placards (1ère étape) puis le grenier (2ème étape) puis la poubelle (3ème étape) de babioles offertes en des occasions diverses qui n'ont pas trouvé leur place (enfin si : dans le placard, puis le grenier, puis la poubelle), le chèque cadeau fait partie de ces inventions brillantes de l'esprit humain au même titre que le radar automatique. Il ne restait plus qu'à l'appliquer au domaine de l'art, vous en avez rêvé, Arteliance l'a fait.

Plus besoin de se creuser la tête afin de savoir si le cadeau est raccord avec les goûts du destinataire pour finalement se rabattre sur les sempiternels chocolats, non maintenant vous achetez un chèque et libre à la personne de le dépenser comme elle l'entend...quoique des fois on aurait plus envie de l'encaisser.

Or s'il est un domaine dans lequel offrir quelque chose est délicat, c'est bien l'art : difficile en effet d'acheter une oeuvre à l'attention de quelqu'un au risque qu'elle déplaise, a fortiori quand la somme engagée est importante et que l'on agit à l'insu du plein gré de la victime.

C'est ainsi que nous proposerons très prochainement par l'intermédiaire d'Arteliance d'offrir n'importe quelle oeuvre présentée sur notre site au moyen de chèque cadeaux prévus à cet effet. Vous pouvez d'ores et déjà les acheter sur le site d'Arteliance et les offrir à la personne de votre choix ; les montants vont de 50€ (ce qui dans le monde de l'art équivaut à une déclaration de guerre) à 500€ (ce qui correspond à une déclaration d'amour). L'heureux bénéficiaire pourra alors faire son choix parmi les œuvres proposées en complétant par le moyen de paiement de son choix...

Alice Clément expose sur Urban Art Avenue

2011-07-15T16:04:00.004+02:00

En ces heures caliente, nous vous proposons de partir vers des horizons artistiques nouveaux en la personne d'Alice Clément (aka Loona) dont nous avons découvert le travail récemment. Ses oeuvres sont une invitation au voyage faite de couleurs par un mélange de différentes techniques (numérique retouché à la plume). Laissez-vous séduire par son univers particulier empreint d'Art Nouveau, d'orientalisme, ou de Street Art qui vous fera rêver les yeux grands ouverts.

Pour ceux et celles qui seront sur Paris cet été (aaaah Paris au mois d'Août...quel pied), vous pourrez également retrouver ses oeuvres au Dip's, 62 rue Monsieur le Prince dans le 6ème.

Violette Benilan au Jemmapes (Suite)

2011-07-12T09:58:00.002+02:00

Voilààà, les toiles de Violette sont visibles jusqu'aux alentours du 10 Août...

J'aime le Jemmapes

2011-07-06T15:58:00.004+02:00

Si vous avez l'occasion de flâner du côté du Canal Saint Martin avec l'estomac dans les talons et les yeux aussi gros que le ventre, faîtes donc un tour au Jemmapes, 82 Quai du même nom à Paris où vous pourrez découvrir les tableaux numériques de Violette Benilan jusqu'à fin Juillet (après c'est off !!).

Foire ART.VO 10-12 juin 2011

2011-06-14T16:29:00.006+02:00

Exposition New York 2.0 - Numartis - 25/05 - 01/06 2011

2011-06-06T15:56:00.005+02:00

Grand Salon d'Art Abordable - 20-22 mai 2011

2011-06-06T15:45:00.004+02:00

Mur d'Alesko

Mur de Caroline Checcacci

Mur de Marjorie Herrero

Guerre d'egos au Palais de Tokyo

2011-05-18T18:46:00.002+02:00

On le sait, l'art contemporain à l'instar de la politique est parfois un domaine où les egos des uns et des autres trouve un terrain favorable aux confrontations : c'est à celui qui va en mettre plein la vue avec l'oeuvre la plus monumentale, l'exposition la plus hype, qui va faire le plus de foin ou susciter le plus de controverses...
Seulement dans ce petit monde institutionnel où rires de complaisance et amitiés intéressées sont la norme, rares sont les conflits déclarés...a fortiori au Palais de Tokyo.
Parachuté en Mai 2009 au Palais de Tokyo alors dirigé par Marc-Olivier Wahler, Olivier Kaeppelin souhaite regrouper le site proprement dit et les espaces en cours de rénovation.
C'est là que ça commence à partir en vrille : deux responsables ça fait beaucoup, ça fait trop...Après l'arrivée de Mark Alizart prenant en charge le département des Arts Plastiques de la Mode et du Design, Kaeppelin est cantonné à un rôle administratif mais parvient malgré tout à monter deux expos dont l'une avec Sophie Calle (quelle audace !!). L'ambiance, déjà mauvaise devient exécrable lorsque les expositions se chevauchent en particulier lorsque Wahler « arrache l'affiche de l'exposition de son rival en plein vernissage » (Vincent Noce, Libération 28 Avril 2011)...Que les deux pachas se marchent sur les pieds passe encore mais de là à agir de la sorte, c’est du grand n’importe quoi !
Au-delà de ça, il y avait la volonté affichée de la part d’Olivier Kaeppelin de consacrer lors de son mandat des expositions à d’illustres inconnus, jugez plutôt : outre Sophie Calle, déjà évoquée on y aurait trouvé Robert Combas, Hervé Di Rosa (pour lequel j’ai un faible pourtant), Gérard Garouste, Gottfried Honegger, François Rouan, Djamel Tatah, Hervé Télémaque, Lee Ufan...bref une programmation vu et revue. La France manque t-elle à ce point de talents pour voir tourner en boucle les mêmes têtes d’affiches ? Toujours est-il qu’Olivier Kaeppelin a démissionné et rejoint la fondation Maeght.
Dans l’histoire, Marc-Olivier Wahler a tenu le rôle du méchant, et été accusé de pousser Kaeppelin vers la sortie : « J'ai toujours pensé qu'Olivier serait un bon président, mais qu'il ne devait pas chercher à être aussi programmateur. L'équipe du Palais de Tokyo est soulagée, car avoir constamment deux décisionnaires, deux validations - la sienne et la mienne - pour tout projet, c'est comme avoir un papa et une maman ; c'est compliqué. »
La tâche était insurmontable en effet, comment font tous ces parents qui ne divorcent pas ?

A l'ouest du nouveau

2011-05-10T17:09:00.003+02:00

Les petits veinards qui seront sur Paris du 20 au 22 pourront découvrir quelques toiles et dessins d'Alesko en avant première sur notre stand du Grand Salon d'Art Abordable à la Bellevoise déjà annoncé dans le post précédent.

Alesko (ou Exit Man, ou Kume ou Wooz Tot, il aime les pseudos) c'est d'abord une figure puis un regard puis enfin un coup de coeur. La diversité des supports qu'il emploie pour ses portraits de robots-humains ou d'hommes robotisés (qu'il assemble aussi à partir de matériaux de récup) n'a égale que sa prolificité et sa capacité à sans cesse se renouveler. Vous aimerez à n'en pas douter ses totems, ses icônes qui sont les reflets de nos conditions et de nos aspirations.

En mai fais c'que tu veux

2011-05-05T17:09:00.003+02:00

Petit addendum pour revenir à des choses plus légères, voici notre actu pour les mois de mai et juin :

- du 20 au 22 Mai, Grand Salon d'Art Abordable, La Bellevilloise, 19-21 Rue Boyer, le Vendredi de 14h à 20h30, Samedi et Dimanche de 11h à 20h30. Entrée 5€ (pour ceux qui veulent des invits envoyez-nous un ptit mail)

Une belle occasion de flâner dans un cadre agréable et décontracté et de découvrir les toiles de Caroline Checcacci (avec quelques nouveautés!), Marjorie Herrero et Alesko, nouveau venu parmi nous.

- du 25 Mai au 1er Juin, expo New York 2.0, vernissage le 26 à partir de 19h, Galerie Pfennigsdorf, 1 Place André Breton, Paris 9

- du 10 au 12 Juin, ART VO à Cergy, Axe majeur - Esplanade de Paris où vous pourrez retrouver les toiles et dessins de Jean-Gaël Deschard, Mimi the Clown, MKT4, et Aimily Muzy.

- en Juin/Juillet, expo Violette Benilan et Angéline Melin au Restaurant le Jemmapes, 82 Quai de Jemmapes, Paris 10ème (sous réserve).

Ite missa est

2011-05-05T15:53:00.001+02:00

A l’heure où le monde occidental danse autour du cadavre encore humide d’un vieux barbu haineux, l’art et son actualité paraissent soudain insignifiants.
Même lorsqu’il s’agit d’un énième travers de l’art contemporain qui se fourvoie encore une fois, le temps d’antenne qui lui est consacré, sûrement faute de catastrophisme, frôle le néant. Il est vrai que bien que les artistes et les œuvres changent, finalement la question reste toujours la même : « a-t-on le droit d’exposer n’importe quoi ? ».
Si je pose cette question hautement novatrice c’est parce qu’une des œuvres d’Andres Serrano exposée à Avignon intitulée Immersion Piss Christ (un crucifix plongé dans un bocal d’urine de l’artiste) a été vandalisée récemment. Le plus drôle, c’est que l’artiste se revendique chrétien et n’a « aucune sympathie pour le blasphème » dit-il dans un entretien consacré dans Libé. Et mieux, sans doute en quête de rédemption : « J'aimerais travailler au Vatican, réaliser une grande œuvre religieuse à Rome, dans les églises de la cité pontificale ».
S’il ne m’appartient pas de juger du caractère blasphématoire de l’œuvre de cet artiste surnuméraire, on peut en revanche s’indigner contre cette catégorie d’artiste à la provoc facile pourtant sacralisée par une frange de béni-oui-oui de l’art contemporain finalement tout aussi intégristes que ceux qui collent des coups de marteaux sur les œuvres : osez adresser un semblant de critique à l’égard d’UNE œuvre ou d’UN artiste et vous détestez nécessairement l’art contemporain...
Nombreux sont ceux qui dans l’art (on peut aussi y ajouter la musique et le cinéma) passent par les chemins tortueux de la provocation pour affirmer un besoin de reconnaissance par l’inévitable publicité que cela engendre, le procédé est usé jusqu’à la moelle mais ça marche toujours apparemment.
Ensuite, les passéistes pathologiques qui ont non seulement dégradé l’œuvre mais en plus menacé de mort le personnel (ça fait tout de suite moins chrétien) dépositaires du seul vrai savoir sautent à pieds joints dans le panneau tendu par l’artiste lui octroyant par la même occasion le statut de victime expiatoire de quelques censeurs illuminés.

Zoom sur Hubert Hamot

2011-04-20T16:02:00.003+02:00

Puisque vous avez été sages, un peu trop même, voici en prélude à l'expo NYC 2.0, la suite de l'entretien qu'Hubert aka Numartis nous a accordé.

Tu présentes le « Pop Art Digital » comme tu l’appelles comme étant construit sur quatre piliers que sont l’inspiration, l’esthétique, la construction et la forme, donnes-tu plus d’importance à l’un d’eux ?

Ce sont les différents étages d'une fusée. L'un ne va pas sans l'autre, mais c'est le dernier qui est le plus visible, il explique l'ensemble du travail.

La culture américaine est-elle trop envahissante selon toi, lui accorde-t-on trop de place, d’importance ?

Elle a pris logiquement, après la seconde guerre mondiale, la place de la puissance mondiale qu'elle est devenue alors. La culture est une force économique. La France faisait de même quand elle était « forte ». Sa richesse est grande, car les influences sont nombreuses (Europe, Asie, Afrique).

Les américains ont un savoir faire lié au faire savoir que nous envions. L'importance prise est parfois ridicule (Stallone décoré par le ministre de la culture ! Koons à Versailles), mais qui a plus de créativité et d'audace (et il ne s'agit pas que de budget) que Tarantino ou Tim Burton en France ?

Comment vois-tu le Pop Art Digital dans dix ans, t’y intéresseras-tu encore ?

Je ne sais pas. Peut être plus épuré, sorti de New-York. Possible aussi qu'il se transforme en introspection. (portrait par les pensées, le savoir, les sentiments.). Il sera aussi influencé par l'environnement technique (smartphones, moyens d'impressions etc.).

A très vite pour de nouvelles aventures

New York, New Yooooooooork

2011-04-13T18:11:00.002+02:00

Amis afficionados et ennemis déclarés ou non de ce blog, vous êtes conviés à la prochaine expo organisée par nos soins à la galerie Pfennigsdorf dont le vernissage aura lieu le 26 Mai à partir de 19 heures tapantes, Place André Breton dans le 9ème (au croisement des Rues de Douai et Fontaine)...tarif groupé avec les bars à hôtesses situés à proximité et coupons de réduction au Sexodrome pour une œuvre achetée valable sur les strings panthères... Nous y présenterons en exclusivité les dernières œuvres numériques de Numartis aka Hubert Hamot. L’entrée sera libre, je n’en dirais pas autant de la sortie...vous êtes prévenus. Voici un tit extrait de l’entretien qu’il nous a gentiment accordé au détour de son passage sur Paris.

Explique-nous le processus qui t’a fait passer de la toile au numérique ?

Il y a plusieurs facteurs qui expliquent ce passage. L'accompagnement de mon père dans les dernières années de sa vie. Les soins et le temps passé ne permettaient pas l'usage « classique » de la peinture (séchage, nettoyage, concentration...). La lassitude du travail dans l'abstraction qui me semblait redondant. Toutes les pistes et expressions avaient été déjà explorées. Je recherchais une extériorisation allégorique novatrice. La découverte des logiciels de retouche et de création numérique qui donnent des outils créatifs formidables.

Comment définis-tu ton procédé créatif ?

La conception d'une image est établie sur un fond qui est généralement une structure architecturale (building, rue), c'est avant tout une perspective qui donne le rythme de l'image. Cette base est dans le même esprit que le travail de Caillebotte. Les couleurs principales sont alors apposées (nuances de bleu, de rouge et de jaune). Cette étape est une des originalités de mon travail. Je colle et sélectionne des éléments pour bonifier le mouvement de l'image. Les personnages, slogans et autres photos sont intégrés dans le but d'animer et de donner du sens à l'image. Quand le « brouillon » est achevé, (2h à une journée de travail). Je passe à la phase de peinture grâce à une tablette graphique. Chaque centimètre carré est repris, travaillé « à la main », pour donner la finition définitive qui est proche de la peinture (visible sur grands formats), plus douce (chaude) que l'aspect habituel des travaux numériques (vectorielle). C'est la plus longue période de la création (2 jours).

Te considères-tu comme un enfant de la culture pop (si oui pourquoi ?)

Nous sommes tous ou presque des enfants de la culture pop. La publicité, le cinéma, la musique ont franchi le cap depuis longtemps. Les arts graphiques et scéniques ont résisté mais au prix d'un élitisme synonyme de snobisme. La culture pop est une réalité (ni positive ni négative), c'est la démocratisation du fait culturel, permis par les moyens de communications modernes et l'éducation.

Définis-tu tes œuvres comme abstraites ou figuratives ?

Elles sont évidement figuratives, mais j'aime dire qu'elles ont un coté abstrait. C'est surtout la structure et la perspective, combinés avec les couleurs dominantes qui donnent la résonance abstraite de l'œuvre. (Point et lignes sur plan, Du spirituel dans l'art, W.Kandinsky).

Gloria !!

2011-03-31T15:33:00.010+02:00

A la une (ou presque) du Nouvel Obs - supplément TV Paris - aujourd'hui :

Et trois coeurs siouplait !!

Viva Mexico

2011-03-23T16:28:00.003+01:00

Acte I

Quand la justice, la culture, les relations diplomatiques et la politique s'entrecroisent, c'est rarement pour offrir quelque chose de positif. Petit flashback : Florence Cassez considérée comme ayant été injustement condamnée ou du moins n'ayant pas eu droit à un procès équitable par une cour mexicaine en 2009 pour enlèvement, séquestration etc. Or il se trouve que 2011 était prévue pour être l'année du Mexique en France. Face à ce que de nombreux responsables politiques considèrent comme une injustice, certains ont (trop) rapidement fait l'amalgame et appelé au boycott à l'instar de celui opéré aux USA contre les produits hexagonaux suite au refus de la France d'intervenir en Irak. De là à balancer le Chili con Carne à la poubelle et la Tequila dans le caniveau, il n'y a qu'un pas...

Michèle Alliot Marie dont la compétence en matière diplomatique ne saurait être remise en question avait prévu de ne pas assister aux célébrations prévues en cette année du Mexique (ça tombe bien diront certains). Afin de soi disant soutenir Florence Cassez (imaginez un peu la portée du soutien), Martine Aubry a courageusement décidé au risque d'hypothéquer ses prochaines visites officielles de faire fermer l'exposition Drôles d'estampes prévue du 11 Février au 3 Avril qui devait abriter des œuvres d'artistes mexicains du XIXème siècle. Nul doute que le Mexique a encore du mal à se remettre après un coup aussi rude porté à son économie.

Bon bien sûr, on ne peut pas s'empêcher de penser qu'entre le fait de condamner une ressortissante française sur des bases douteuses et celui d'annuler une exposition où sont accrochées des œuvres d'artistes mexicains peut paraître aussi proche que le lien entre MacDo et la gastronomie...

Acte II

Le Mexique, 'achment furax, n'a pas pu se retenir de répliquer avec hargne : une statuette maya vendue lundi à Drouot pour près de 3 millions d'euros serait un faux selon un communiqué du ministère mexicain des affaires étrangères et l'institut national d'anthropologie et d'histoire mexicain...nananèreuh. Quel crédit accorder à ce communiqué ? Simples représailles puériles ou réels doutes sur l'authenticité ? Bien évidemment l'expert chargé de la vente penche pour la première option...

Le fin mot de l'histoire est qu'avant de soutenir une cause n'importe comment certains devraient réfléchir un minimum aux conséquences. Quid de la prochaine étape ? Interdiction des produits Old el Paso ?? Boycott de la tortilla ? Bûcher de fajitas ?

Photos de la soirée du 16 Mars

2011-03-22T14:38:00.015+01:00

Voici les photos de la soirée du 16 Mars au Dune Café, un grand merci à tous ceux et celles qui nous ont gratifiés de leur présence en dépit de l'absence d'open bar...

La foule alcoolisée innombrable (côté buffet)

Les débuts de la fresque

Tim au milieu de ses oeuvres

Soket au milieu des siennes

Fresque terminée

Voilà pour cette soirée, pour les petits maladroits qui n'ont pas pu se déplacer, séance de rattrapage le 6 Avril avec une créa en live de Tim + guests et pendant ce temps son expo et celle de Soket continue...n'oubliez pas le guide !!

Chose promise.....chose promise

2011-03-12T10:56:00.008+01:00

Si nous nous étions jusqu'à présent autoproclamés galerie d'art virtuelle, cette appellation avait quelque chose d'usurpé dans le sens ou le site jusqu'à début février ressemblait davantage à un catalogue d'art version trois suisses. Depuis quelques semaines et grâce aux petites mains de Sandrine (allez donc faire un tour sur son site : http://www.pictoyou.net/), vous avez certainement remarqué du changement : si le contenu est à peu de choses près le même, le design est totalement nouveau et beaucoup plus personnel. L'évolution aurait pu s'arrêter là mais depuis ce matin, grâce à Julien (voici le sien : http://rdvgd.com/), nous disposons d'une galerie virtuelle pour de vrai, avec notre sélection d'artistes ainsi que leurs oeuvres accrochées dans une ambiance friche industrielle réaménagée en espace galerie que vous trouverez à l'adresse suivante : http://www.urban-art-avenue.fr/Galerie_Virtuelle-FR.html. Libre à vous de vous promener dans les trois pièces que comporte cet espace afin de (re)découvrir nos artistes et leurs oeuvres au format réel.

Je profite de ce post 2 en 1 pour convier l'ensemble du lectorat de ce blog au Dune Café (18 Avenue Claude Vellefaux, 75010 Paris, Métro Goncourt) mercredi prochain (le 16 Mars) à partir de 19h. Au menu : expo Timothée Silie (http://www.urban-art-avenue.fr/Details-FR-66.html) et ses oeuvres numériques et la féline Soket (jusqu'au 6 Avril), Graff Session, Bouffe, Alcool, et projection des oeuvres sur grand écran...Un grand merci à Choum pour l'occasion !!

Histoire Corse

2011-02-23T10:54:00.001+01:00

L’histoire se situe à Ajaccio au musée Fesch plus précisément où travaille le gardien de nuit employé par la Mairie. Seulement, la municipalité envisageait de lui supprimer son logement de fonction (que voulez-vous la culture coûte cher), le gardien en question n’a donc rien trouvé de mieux à faire que d’emprunter 4 toiles du Musée (dont un Poussin) afin de faire pression pour récupérer son logement...L’histoire aurait pu s’arrêter là mais c’est oublier un peu vite le lieu de l’intrigue : ayant placé les œuvres dérobées dans sa voiture, un voleur indélicat a brisé une vitre du véhicule avant de voler le vil voleur...Le tout dans la même nuit !
Au-delà de la traditionnelle histoire de l’arroseur arrosé, on peut quand même se demander s’il ne s’agit pas d’une mise en scène grossière. Car pour manifester sa désapprobation liée à la perte de son logement de fonction, il y a, à n’en pas douter, mieux à faire que de faire prendre l’air à des toiles. Du coup, son logement c’est pas sûr qu’il le garde et sa fonction encore moins. Non sans rire (oui comme ça, c’est difficile), où ailleurs qu’en Corse, une histoire pareille aurait-elle pu arriver ? Même dans les Musées Parisiens, avec les services de sécurité les plus brillants au Monde, ça n’aurait pas pu arriver. A ce sujet, je tiens à signaler, que lors de ma visite de l’expo Basquiat, j’ai allègrement et volontairement fait sonner les portiques de sécurité et continué mon chemin sans que l’on me demande quoi que ce soit. C’est quand même curieux 8 mois après le vol retentissant d’un Modigliani (entre autres) dans le même Musée...

Alors que revoilà la sous-préfette..

2011-02-22T15:27:00.003+01:00

Régulièrement, on entend parler d'art à la TV, or la condition sine qua non pour que les chaînes de TV se penchent sur l'art, c'est qu'il faut que ça en vaille la peine, comprenez qu'il faut un bon gros paquet de zéros ou un événement sen-sa-chio-nel genre une bien grosse expo. Ici BFM TV (Bolloré infos), nous présente comme une nouveauté le fait que l'on achète une oeuvre d'art par actions (cotée en bourse donc). Si certaines personnes (loin d'être une majorité) conçoivent l'art comme un investissement, le fait de partager une oeuvre d'art entre différents acquéreurs à de quoi laisser perplexe. Quel est l'intérêt de se porter acquéreur d'une oeuvre si on ne peut l'admirer chez soi. L'actionnaire doit malgré tout avoir le droit d'encadrer son action enfin on peut supposer.

Le procédé présenté ici et contrairement à ce qui est dit dans le reportage n'est pas nouveau : déjà en 2007, un fonds anglais Artistic Investment Advisers s'était autoproclamé le premier fonds d'art spéculatif au monde avant de plier boutique en décembre 2009.

L'oeuvre présentée dans le bref reportage de BFM étant de surcroît...une impression de Vezzoli dont la valeur totale culmine pour l'instant à 135 000 euros (oui ça fait cher le poster, si en plus il faut le partager...mais bon c'est Yvon Lambert qui l'expose !!). Amis investisseurs non voyants, qu'attendez vous pour dégainer vos chéquiers ?

Tout nouveau, tout beau

2011-02-17T15:33:00.003+01:00

Pour les fans de la première heure et les groupies familiales qui suivent notre actu avec assiduité notre ancien site beurk deviendra dans les semaines qui viennent un nouveau site aaaaah. Plus propre, plus pro, plus clair avec un espace virtuel qui permettra de visualiser les œuvres telles quelles. Vous y retrouverez notre actu (chargée), nos artistes adorés, et le reste dans un graphisme new look.
L’adresse n’a pas changé, vous pouvez d’ores et déjà aller y faire un tour, bien qu’il soit encore loin d’être terminé : www.urban-art-avenue.fr
Sinon, en avant première moooondiale, l’expo qui se tiendra à la Galerie Pfennigsdorf située à Pigalle (à deux pas du Sexodrome pour les pervers !) du 25 Mai au 1er Juin sera dédiée à notre nouvel arrivant : Hubert Hamot aka Numartis et s’intitulera :
(roulement de tambour)

New York 2.0

A très vite pour de nouvelles aventures palpitantes.

Tagada Tsoin Tsoin

2011-02-16T14:09:00.003+01:00

...Et si l’art n’était qu’une farce ? L’idée est loin d’être novatrice et pour tout dire elle a déjà été exploitée par de nombreux farceurs dont le plus connu est Marcel Duchamp, le plus connu certes mais pas le premier.
Déjà dans l’idée avait germé dans la tête d’Alphonse Allais et de quelques autres de créer un Salon des Arts Incohérents placé sous le signe de la farce justement afin de briser la morosité ambiante de la fin du 19ème siècle et de s’en payer une bonne tranche. Largement oublié de la plupart des théoriciens et enseignants du marché de l’art empêtrés dans leurs définitions d’avant-garde et de Post-avant-garde (c’est ce qui vient après l’avant-garde : la Garde donc), et appliqués à placer les courants artistiques dans des cases comme des CD à la FNAC, ils ont injustement omis que l’invention de l’abstrait et par la même occasion du monochrome était dû à Alphonse Allais et à personne d’autre (enfin à ma connaissance). En effet : trop occupés à dicter leurs dogmes vaseux et démonstrations alambiquées dans le seul but de justifier leur statut de haute autorité en la matière, ils ont cherché à faire gober que le « Carré blanc sur fond blanc » de Malevitch était le premier monochrome de l’histoire de l’art (1918).
Seulement en 1883, lors de la première exposition officielle des Arts Incohérents, Allais présentait « Récolte de la Tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer rouge » soit un monochrome rouge suivi en 1893 par la « Première communion de jeunes filles chlorotiques par temps de neige », soit...la même en blanc. Pourquoi n’a-t-il pas sa place dans la plupart des bouquins consacrés à l’histoire de l’art ? Parce que certains ont décrété que les œuvres d’Allais (et Allais lui-même) étaient empreintes du sceau de la dérision et que s’il est un domaine dans lequel la dérision est verboten c’est bien celui de l’art. Cependant c’est aller un peu vite en besogne, puisque Duchamp, Dada & co avaient la même approche, l’Art peut aussi ne pas se regarder pas sous un angle sérieux.
Il me vient une anecdote dont je fus le témoin consterné : il y a de ça quelques années, un immense critique d’art (Philippe Piguet pour ne pas le nommer) devant une œuvre de Carl André constituée d’une vingtaine de dalles de cuivre juxtaposées sur le sol assez semblables à celles exposées dans votre salle de bain (peut être pas en cuivre mais tout de même) rendait un verdict ferme et sans appel : « Ceci est incontestablement une sculpture ». Ainsi en a décidé l’artiste investi de la parole divine, repris en chœur par le critique qui en dehors du fait qu’il ne critique pas grand chose et que justement cela soit contestable érige l’œuvre d’art en affirmation : l’art c’est nécessairement sérieux et affaire de professionnels, après tout une affirmation d’un artiste est aussitôt considérée par le microcosme de l’Art comme du pain béni.
Sur ce, je m’en vais aux toilettes admirer les monochromes roses de Moltonel et la sculpture exposée sur le sol...l’entrée est à 15 euros.

Serial brainwasher

2011-02-01T17:09:00.007+01:00

Si vous êtes amateur d'art ou non et que vous n'avez pas encore vu « Exit through the Gift Shop » (traduit librement et maladroitement en Faites le Mur), courez-y ! Ce film retrace l'ascension d'un petit frenchy installé à LA qui de marchand de fringues est passé au statut d'icône du street art.

Voici le mode d'emploi très simple :

trouvez vous quelques street artistes reconnus qui vont enseigneront les bases (ici Shepard Fairey et Banksy)
Hypothèquez votre maison
Embauchez une armée d'assistants graphistes qui font le boulot à votre place (Toute référence à Jeff Koons semblerait ici évidente)
Faites un foin phénoménal, en vous servant de vos cautions artistiques pour rameuter les moutons avides de nouvelles tendances (qui n'ont rien de nouveau)
Montez une expo gigantesque, si possible à Hollywood dans d'anciens studios désaffectés

Et le tour est joué ! Facile ? Un peu trop !!

Si la mise en parallèle des deux personnages que sont Banksy et Brainwash, le film tend logiquement à prendre parti pour le premier qui a en quelque sorte « crée » le second à l'image de Frankenstein. Quand Brainwash a la tête gonflée à l'hélium, celle de Banksy demeure invariablement encapuchonnée ou floutée. Quand l'art de Banksy se porte vers des sujets contestataires (un des piliers du street art), celui de Brainwash est empreint de marketing et pille allègrement Warhol en tout en vidant le street art de sa substance. Quand Brainwash se prend manifestement au sérieux, Banksy manie l'humour noir à bon escient dans ses oeuvres.

Mais le trait est gros et le personnage de Brainwash tellement caricatural qu'on en vient à se demander s'il n'est pas simplement un jouet de Banksy crée afin de dénoncer les travers du marché de l'art, et ceux qui se posent cette question sont nombreux.

La question se pose en effet et non seulement se pose mais me hante, en tant que monstre du marché de l'art, n'ira t-on pas dire aux galeristes pas sages : « si tu finis pas ta soupe, Brainwash va venir accrocher dans ta galerie » ?

Maintenant certains éléments tendent à faire croire qu'il est effectivement ce que les grands collectionneurs pensent qu'il est : un artiste tendance. Après tout, que lui reproche t-on au juste ? De faire de l'art à l'américaine ? De vendre de l'art comme on vend des fringues ? Quand on achète des fripes une misère et qu'on les revend en tant que vêtement de créateur, comme c'est le cas de Thierry Guetta (son vrai nom), on est bien en mesure de faire passer des vessies pour des lanternes, non ? Il nous paraît étonnant voire aberrant à nous européens que l'on puisse faire de l'art en dirigeant une entreprise simplement en sélectionnant les œuvres des personnes qui font le boulot à notre place. Mais n'est-ce pas ce que fait (faire) Jeff Koons dont les œuvres s'arrachent au prix de la tonne de caviar et dont les collectionneurs s'enorgueillissent d'en posséder une ?

Or le fait que les collectionneurs se jettent sur ses œuvres comme un émir du Golfe sur un club de foot n'est il pas un diktat en matière de goût ? Après tout ils ont du pognon, ils ne peuvent pas se planter !!

Andy Warhol n'a t-il pas dit : « Gagner de l'argent est un art, travailler est un art et faire de bonnes affaires est le plus bel art qui soit » ? (parole d'évangile) Et est-ce un hasard si justement les œuvres de Brainwash font constamment référence à Warhol ? Avoir la fibre commerciale, n'est pas nécessairement incompatible avec un talent artistique reconnu ni avec une mégalomanie avérée d'ailleurs : Salvador Dali en est le meilleur exemple.

Alors Brainwash, nouvelle icône de l'art contemporain ou réel imposteur ? Le film repose sur cette ambigüité et chacun peut se faire sa propre opinion du personnage. Après tout comme le dit Shepard Fairey dans le film : « Et si l'art n'était qu'une farce ?»

Hubert Hamot...ou le pop art new-age

2011-01-25T15:39:00.006+01:00

Pour les afficionados de notre site (par ailleurs en pleine réfection), vous pourrez découvrir très prochainement, les oeuvres numériques de Hubert Hamot. Jouant avec les symboles de la culture pop, il s'attache à les accumuler en les superposant pour arriver à des compositions extrêmement riches. A tel point que ses oeuvres numériques recèlent des détails insoupçonnés et offrent des niveaux de lectures différents.

Reprenant la traditionnelle ambigüité du pop art - entre dénonciation et célébration - Hubert s'empare des icônes de la société de consommation pour en faire des oeuvres minutieuses aux confins de l'abstraction. Au premier regard (lointain), vous êtes d'abord frappé par l'éclat des dominances chromatiques, rouges ou bleues la plupart du temps. Puis, lorsque vous vous en approchez (allez-y, ça mord pas), on est happés par le fourmillement de détails et la multitude de personnages ou objets dont ses oeuvres regorgent : prenez une pincée de Times Square, un zeste de star-wars, un soupçon de persos Disney, une larme de super-héros, et quelques grandes enseignes de l'oncle Sam...et vous êtes encore loin du compte.

Retrouvez très prochainement ses oeuvres tirées sur Dibond en 12 exemplaires numérotés et contresignées de sa main, en exclusivité sur notre site www.urban-art-avenue.fr.

Pablo et Leonard sont dans un musée, le musée brûle, qu'est ce qui reste ?

2011-01-17T14:43:00.008+01:00

Un indice : ce n'est pas pince moi...

La question est saugrenue mais pertinente et fait l'objet d'un article du Monde. Dans l'hypothèse où un musée serait ravagé par les flammes, et qu'ils avaient la possibilité de ne sauver qu'une seule oeuvre, laquelle choisiraient les directeurs de musées et pourquoi...

Intéressantes, les réponses à cette question toute candide embarassent les pontes de la culture et des arts. Un premier (curieusement non nommé) s'étouffe : « encore une question idiote de journaliste ! ». Or, si la notion d'idiotie s'applique en effet à certaines questions du genre : « Vous êtes content(e) d'avoir gagné ?», celle-là présente le mérite de ne pas enfoncer de porte ouverte.

Parmi les interviewés, nombreux sont ceux qui refusent de croire à une telle éventualité, il est vrai, hautement improbable. Encore que, le Parlement de Bretagne n'a t-il pas brûlé il y a quelques années alors qu'il abritait 15 objets classés au titre de monuments historiques ?

Bref, ce n'est finalement qu'un chemin détourné pour demander aux responsables des institutions culturelles ou scientifique quelle est leur oeuvre préférée dans leur collection.

Voici donc les résultats :

Musée Grévin : joker. Il est vrai que la cire brûle mal mais fond bien.
Musée Carnavalet : on sauve tout, on perd rien, on fait la chaîne avec des seaux...Le directeur n'étant pas seulement calé en histoire de Paris mais aussi en langue de bois.
Muséum d'histoire naturelle : le Dodo de l'île Maurice (espèce disparue)
Musée de la Marine : l'ornement qui décorait la poupe de la Réale, un bateau du XVIIIème siècle.
Musée Rodin : ni le Penseur, ni le Baiser encore moins la Porte de L'Enfer mais un exemplaire original des Fleurs du Mal illustré par Rodin. Les bronzes de Rodin n'étant pas des pièces uniques, il en resterait au moins une quelque part...

Enfin le Louvre : la Jo...euh non, puisque bien qu'étant en bois, il paraît qu'elle est fireproof.

Guillaume Faroult, l'un des commissaires de l'expo L'Antiquité rêvée sauverait Le Cauchemar de Füssli (voir ci-dessus) pour laquelle il a un coup de coeur et prêtée temporairement au Louvre dans le cadre de cette exposition (jusqu'au 14 Février). Comme quoi, ce n'est pas si compliqué et en aucun cas scandaleux de manifester une préférence !!

Au menu en 2011

2011-01-05T09:22:00.002+01:00

Nous profitons de cet espace d'expression pour souhaiter à nos rares lecteurs et trices une très bonne année 2011, pleine d'amour, de réussite et de succès.
Pour notre part, nos projets pour 2011 sont :
- passer au travers les épidémies de gastro et de grippe
- refonte totale du site internet d'ici le printemps
- une première exposition du 24 au 30 Mai, Galerie Pfenningsdorf
- une deuxième exposition du 27 Septembre au 3 Octobre, à la Boulangerie, Montmartre
Et bien d'autres...

La provocation défraichie by Larry Clark

2010-12-14T12:26:00.003+01:00

Je suis allée voir la fameuse exposition de Larry Clark, au Musée d’Art Moderne de Paris, celle dont tout le monde parle en raison de son interdiction par la mairie aux moins de 18 ans…
Attention les yeux !!
Sur place, peu de clichés, une impression d’expo un peu maigre et faite surtout pour être « cool ». Comme on si attend quand on connaît un peu le travail de Clark, une ambiance plutôt malsaine (des seringues, du sexe, des visages défigurés par la douleur), mais c’est le gros manque de contextualisation des photos qui se trouve être le plus gênant finalement.

Nous vivons dans une société ultra-érotisée, où les fesses sont partout, le sexe n’est donc plus vraiment une marque de provocation. Cette expo sent le réchauffé, le faux sulfureux et la provoc’ défraîchie, et ces photos ne choquent plus personne. La seule chose qui me trottait dans la tête pendant la visite de cette expo était « pourquoi »? Quel est le sens de tous ces clichés, où veut-il en venir? N’a t-il aucun autre intérêt que le glauque? N'a t-il rien d'autre à dire? Quelle est cette étrange obsession?
Les photos appartiennent à une série représentant des membres de la jeunesse paumée de la ville de Tulsa (Oklahoma), aux Etats-Unis, dans les années 60-70. Clark ne fait que saisir une réalité très crue.
Sur Europe 1, Guy Carlier comparait cette exposition à l’Origine du monde de Courbet. La bonne blague !! Comparer Clark à Courbet, déjà, c'est fort, mais surtout, Courbet a révolutionné l'histoire de l'art et a fait bouger les mentalités sclérosées de son époque en représentant un sexe féminin, quand Clark montre une femme enceinte en train de se piquer, des partouzes et des adolescents en train de découvrir leurs corps...
A l’époque où il prend ces photos, Clark a une vingtaine d’années. Qu’est-ce qu’il fabrique dans l’alcôve d’adolescents, à les prendre en photo dans leur intimité? Lorsque Le Monde lui pose la question, Larry Clark dément tout « désir » pour les sujets représentés, tout en reconnaissant que ces photos sont « dérangeantes ». Mais il relativise immédiatement : « l’art est dérangeant ». Mouais, ce qui est sûr c'est que Larry Clark a fait le tour de son "art" et n'a pas beaucoup évolué, hélas, il n'a plus grand chose à nous dire et c'est dommage.

Un grand merci !!

2010-11-22T14:40:00.003+01:00

Puisque le moment de décrocher les oeuvres est passé, nous en profitons pour adresser un grand merci à toutes celles et ceux qui étaient présents le 11 Novembre dernier au vernissage de l'expo "Chou, Hibou, Joujou", vous pourrez retrouver les photos de la soirée et de la galerie sur la page expo de notre site ici.
A très vite pour de nouvelles aventures...

Vers un Art Contemporain 2.0 ?

2010-10-28T14:23:00.002+02:00

A l’heure où se clôt la grand’messe de l’art contemporain parisien (quoique le terme soit impropre : l’entrée à une messe est gratuite quand celle de la FIAC était à la modique somme de 28€), se pose la question de l’évolution de la pratique artistique contemporaine et de sa toute fraîche légitimité.
A en croire la place marginale qu’il occupe, l’art numérique reste encore sous évalué pour ne pas dire dénigré par nombre de galeries françaises qui lui préfèrent des artistes orientés vers des techniques de peinture traditionnelles, le conceptuel, la vidéo ou la photographie.
Seulement en quoi l’art numérique serait-il moins légitime que ces disciplines à la reconnaissance déjà bien établie ?

Sa nouveauté ne plaide pas en sa faveur, dans la mesure où le public initié se tourne en priorité vers la « valeur sûre » autrement dit vers la peinture ou la sculpture, tout en gardant une certaine méfiance vers un art qui peut être aisément taxé de « facile » compte tenu des possibilités offertes par les logiciels modernes. Autant vous le dire tout de suite, c’est faux : il n’y a aucune commune mesure entre supprimer les yeux rouges d’une photo et créer une œuvre de A à Z sur un écran d’ordinateur, cela suppose une connaissance parfaite de l’outil et une démarche créatrice qui n’a rien à envier aux partisans du pinceau et de la palette.
On peut également rétorquer qu’un fichier numérique est une œuvre dématérialisée, mais cet argument ne peut être considéré comme recevable de la part des défenseurs de l’art conceptuel puisque dans ce domaine, ils considèrent que l’idée en elle-même (si ça c’est pas immatériel !!) se confond avec l’œuvre.

Peut-être faut-il chercher du côté de la matérialisation de l’œuvre justement. Le « problème » avec une œuvre numérique est qu’elle soit aisément copiable. Il s’agit cependant d’une pratique courante et en aucun cas nouvelle car la reproduction a cours depuis bien longtemps en matière artistique que ça soit à partir de la gravure sur plaque de cuivre (Eau-forte), sur bois (xylographie), ou sur pierre (lithographie). Or ces pratiques ont toutes une légitimité dès lors qu’elles font l’objet d’une certaine régulation par les artistes et ceux qui diffusent leurs œuvres. La difficulté qui se pose (pas uniquement en la matière) est qu’il n’a jamais été aussi simple de faire un « copier-coller » ou un « enregistrer sous ». Il appartient alors à l’artiste de proposer des versions en basse définition comme « échantillon » de leur travail, tandis que le galeriste veille à restreindre le nombre d’exemplaire matériels de l’œuvre afin qu’elle garde son côté « hand-made ».

Jean-Michel Basquiat au Musée d'Art Moderne de Paris

2010-10-19T15:09:00.004+02:00

Le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris consacre une rétrospective à Jean-Michel Basquiat du 15 octobre au 30 janvier 2011.

Né à New York, en 1960, d'une mère porto-ricaine et d'un père d'origine haïtienne, c'est dans la rue que Jean-Michel Basquiat s'exprime dans un premier temps. Avec l'un de ses amis Al Diaz, ils couvrent des immeubles de Lower Manhattan de graffs auxquels il ajoute la signature « SAMO© » (« same old shit »). En 1978 il quitte le lycée et vend des T-shirts et des cartes postales dans la rue pour survivre. Il obtient une première reconnaissance en 1980 en participant à une exposition collective, « The Times Square Show ». En 1981, un article du critique d’art René Ricard paru dans Artforum lance la carrière de l’artiste.
En 1983 il rencontre Andy Warhol, avec lequel il débute une collaboration fructueuse et une forte amitié. C’est aussi le moment où Basquiat sombre dans l’héroïne et montre des premiers signes de paranoïa.

Basquiat est l'un des pionniers du mouvement graff underground. Ses toiles se vendent aujourd'hui aux enchères à des prix astronomiques. Il est connu et reconnu à travers le monde pour ses œuvres à la fois profondes et percutantes. Son univers plein de couleurs et de graphisme mélange la Bible et les mythologies sacrées du vaudou. Il brûle sa vie, habité par la révolte et la mort. S'inspirant à ses débuts de ce qu'il voit dans la rue, il peint divers éléments urbains récurrents : squelettes et masques exprimant son obsession de la mort, voitures, immeubles, jeux d’enfants, pauvreté, graffitis… Il introduit ensuite dans ses œuvres plusieurs codes issus de la publicité, de la bande dessinée ou encore des signes du jazz et du rap. Puis l'artiste révèle peu à peu son intérêt pour son identité noire et son histoire. Il se lance alors dans la représentation de personnages noirs historiques ou contemporains. Il espère ainsi lancer un message et combattre toute forme de ségrégation et de discrimination.
L'ensemble de toutes ses œuvres projette toujours le même sentiment : de la violence et de la colère entremêlées d'une énergie indiscutable. Jusqu'à sa mort, Jean-Michel Basquiat n'a cessé d'évoluer dans son style.
L'ascension de Basquiat sur la scène artistique internationale est fulgurante : en 1982, il participe à la Documenta 7 de Kassel. L'année suivante il expose à la Biennale du Whitney Museum of American Art à New York.
Quand il meurt à 27 ans d'une overdose en 1988, il laisse une œuvre déjà abondante et reconnue en Europe comme aux Etats-Unis.

La rétrospective du Musée d'art moderne de la Ville de Paris sera composée d'une centaine d'œuvres (peintures, dessins, objets) reconstituant le parcours de la courte mais néanmoins prolifique carrière artistique de Jean-Michel Basquiat.
Elle est co-organisée avec la Fondation Beyeler de Bâle, qui l'a présentée du 9 mai au 5 septembre 2010.

arts.fluctuats.net, culture.france2.fr, sortirapapris.com

Expo inaugurale en grande pompe

2010-10-14T06:10:00.002+02:00

Nous avons le plaisir d'annoncer au lectorat limité de ce blog, le vernissage prochain de l'expo "Chou, Hibou, Joujou", le 11 Novembre prochain à partir de 19h30. Vous y découvrirez les oeuvres de MKT4, Caroline Checcacci et Marjorie Herrero qui seront également présents.

Il aura lieu à l'adresse suivante :

Loft gallery

88 rue du Dessous des Berges

75013 Paris

Petits fours payants et collectors, les chiens et les pique-assiettes ne sont pas autorisés.

Cinq idées reçues à propos de l'art contemporain (5/5) : l'art contemporain, c'est inutile...

2010-10-05T12:31:00.001+02:00

...comme tout le reste, ou presque !! Certaines personnes réfractaires à l'idée d'acheter une œuvre d'art ne se privent pas d'acquérir des boules à neiges ou des boîtes à meuh comme souvenirs de vacances, quelle est l'utilité d'avoir une Rolex pour avoir l'heure quand on peut l'avoir sur une Swatch ? Ah si, si l'on s'en tient aux critères arbitraires de réussite de Jacques S., dans le premier cas vous avez réussi votre vie dans le deuxième, vous êtes un looser (Si par contre vous achetez votre première Rolex à 70 ans, c'est bien mais pas top).

Si on devait éliminer tout ce qui est inutile matériellement de nos vies, ça en ferait des choses à recycler dans la mesure où la plupart de nos dépenses sont des dépenses d'agrément. L'art en est une , acheter un tableau n'est pas moins inutile que d'acheter un Iphone quand on ne fait que téléphoner avec (pour ceux qui veulent tripoter la foufoune de Zahia sur l'écran tactile, ça présente en revanche un intérêt certain).

Une oeuvre d'art présente l'avantage d'être quasiment inusable et surtout, quand il s'agit d'une pièce unique, d'être strictement personnelle. Il s'agit là d'une démarche en marge du comportement consumériste puisque l'on achète pas de l'art pour être « in » ou « tendance ». Mais le besoin du « beau » n'est pas moins légitime - au contraire – que celui qui obéit à la seule règle de posséder le dernier cri en matière de technologie (qui d'ailleurs sera dépassé six mois plus tard !).

La décision d'acquérir une oeuvre d'art n'obéit pas à une règle universelle et rationnelle, au point qu'on dit parfois que c'est elle qui vous choisit et non l'inverse : l'Art ne s'achète pas avec la tête mais avec le coeur, et souvent les personnes réticentes qui se laissent conquérir lors de leur premier achat, se laissent tenter beaucoup plus facilement par la suite.

Le pas est d'autant plus difficile à franchir que la somme en jeu est le plus souvent importante si bien que l'art tient bien souvent la dernière place dans la liste des courses, se faisant régulièrement précéder par des dépenses tout aussi superflues. C'est ainsi que certaines personnes, pourtant avec un goût très sûr, repoussent ad vitam aeternam leur décision d'acquérir une oeuvre d'art.

Edward Hopper, l'âme de l'Amérique

2010-09-21T12:17:00.003+02:00

Le peintre américain (1882-1967) est en effet mis à l'honneur à La Fondation de l'Hermitage à Lausanne jusqu'au 17 octobre. Nombre de critiques d'art influents se sont depuis penchés sur son oeuvre et n'ont pu s'empêcher de la décortiquer et de l'analyser sous toutes les coutures, ne pouvant s'empêcher de gagner leur pain en extrapolant au sujet de ses toiles. L'ennui est que nombre de ces ouvrages font désormais autorité en la matière ; or d'après les termes mêmes de l'artiste : « le truc de la solitude est exagéré ». Le thème en effet a été abordé par Hopper mais de là à écrire pléthore de bouquins avec ça, il faut quand même broder un peu. La tâche est d'autant plus difficile qu'on ne peut pas prétendre pondre d'ouvrage de référence de 200 pages avec un minimum de texte en clamant juste à qui veut bien le lire qu'une œuvre est belle !! Mais le hic est qu'il y a une différence fondamentale entre proposer une interprétation personnelle des oeuvres d'un artiste (qui n'engage que le point de vue de l'auteur) et prendre cette interprétation comme étant une vérité absolue.

Bien évidemment, il est tentant pour un artiste de créer une pièce sans analyser préalablement son sens profond. On en retrouve des exemples pas uniquement en peinture mais également en musique : l'un des plus connus est le morceau I am the Walrus écrite par John Lennon. Le Beatle ayant appris qu'un professeur d'anglais analysait les paroles de morceaux des Fab Four, il décida d'en écrire une « afin de voir ce que ces connards étaient capables de trouver là dedans ». Essayez donc de trouver le sens caché de :

Yellow matter custard, dripping from a dead dog's eye.

Crabalocker fishwife, pornographic priestess,

Boy, you been a naughty girl you let your knickers down.

I am the eggman, they are the eggmen.
I am the walrus

Soit en français : Une crème jaunâtre qui goute de l'œil d'un chien mort

Le casier a crabes de la poissonnière, la prêtresse pornographique

Garçon, tu as été un mauvaise fille tu as baissé ta culotte

Je suis le porteur d'œufs, ce sont les porteurs d'œufs, je suis le morse.

Notre Galerie d'art en ligne est enfin fonctionelle !!

2010-09-16T10:30:00.003+02:00

Après des mois et des mois et des mois et encore des mois, notre site (www.urban-art-avenue.fr) est arrivé à l'âge adulte, après une adolescence difficile et ingrate. Vous retrouverez ponctuellement sur ce blog notre actu ainsi que des mots-clés, genre Galerie d'art virtuelle, Galerie d'art contemporain en ligne, Galerie online d'art contemporain en ligne virtuelle (!!), vente d'art contemporain en ligne (prochainement la suite)...n'oubliez pas de cliquer dessus c'est important !!!

Désormais, les oeuvres ne sont plus officiellement exposées mais à vendre pour de vrai avec du vrai argent (pas second life quoi !!). Malgré tout, nous resterons fidèles à notre démarche, à savoir désacraliser l'art, tout en gardant à l'esprit une certaine éthique et en recherchant le respect de nos futurs clients et des artistes que nous exposons. Vous pourrez à ce titre retrouver MKT4, Marjorie Herrero et Caroline Checcacci ainsi que leurs oeuvres, du 11 au 18 novembre prochain à la Loft Gallery (vernissage le 11 à 19h30).

Ah que coucou !!

2010-09-09T11:26:00.004+02:00

Ca va finir par devenir une vieille rengaine mais depuis le temps que l’art contemporain se décridibilise dans les musées hexagonaux, il faut pas venir s’étonner s’il n’a pas plus de crédit lorsqu’il est exposé en place publique. Le dernier exemple en date est une statue de l’icône nationale qu’est Johnny Hallyday. qui a été déboulonnée puis vendue aux enchères alors qu’elle trônait depuis deux ans face au centre culturel de Verneuil sur Avre en Normandie. D’abord réalisée à l’occasion d’un festival d’art naïf, elle est depuis restée sur place. Sauf que, les chers administrés se sont plaints auprès de monsieur le maire de l’incongruité de l’œuvre située entre une église du XVème et une tour médiévale...Johnny n’est plus tout frais mais quand même !!

L’organisateur du festival d’art naïf a donc dû se résoudre à la vendre aux enchères au profit de Maurice Bordier, le sculpteur. Le foin dégagé par cette pseudo polémique comme seul l’art sait générer a tout de même permis de rapporter 8200 euros à son auteur.

Au-delà du fait que ce n’est pas la première fois que la polémique et/ou la provocation font vendre indépendamment de l’œuvre en elle-même, on peut quand même se demander s’il est de bon ton de statufier des personnages contemporains. Nul doute que s’il s’était agi d’un homme politique, il y aurait eu un tsunami de protestations, du moins de la part de ses adversaires. Le fait qu’il s’agisse d’un personnage du show-biz, paraît moins dérangeant : après tout il y a longtemps que le pop art s’est attribué les icônes forgées par notre société de leur vivant. Mais il s’agit d’une statue, d’une part, exposée dans un lieu public, d’autre part, et pas vraiment créée pour s’intégrer à ce lieu en particulier. Le risque est qu’avec une statue d’un personnage public comme Johnny, on en arrive à une forme d’idolâtrie qui peut être parfois malsaine. Peut-on pour autant reprocher aux artistes de représenter des hommes ou des femmes que la société a elle-même érigés en mythes de leur vivant ? Certains vous diront qu’on touche à la liberté de création de l’artiste qui n’est pas toujours conscient ou au courant de l’utilisation qui va être faite de son œuvre a fortiori quand son choix du sujet se révèlerait assez maladroit. Ce qui est certain en revanche, c’est que l’œuvre en question a été vendue à...un fan de Johnny, et que vous verrez fleurir dans les mois qui suivront le décès de Johnny des statues de toutes tailles sur les places des villages qui rebaptiseront les rues du nom de notre rocker national.

Consommation de tableaux

2010-09-02T19:12:00.023+02:00

Un blockbuster est un phénomène de société visant à « faire exploser le quartier » (littéralement) et pour être « in », il faut l'avoir vu, l'avoir adoré ou détesté et être capable de débattre de son succès. La surenchère médiatique est telle sur ces blockbusters qu'il devient impératif socialement de s'y rendre et presque aussi impératif de les apprécier.

« Blockbuster », terme généralement appliqué au cinéma, il s’impose également dans les musées : dans les années 1970, le directeur du Metropolitan Museum of Art (New York) Thomas Hoving fut l'un des premiers à faire entrer le musée dans la culture de masse, avec la création de ces grandes expositions à succès, destinées à attirer le maximum de personnes.

Aujourd'hui, près d'un tiers des Français se pressent chaque année dans ces expositions à gros budgets, ce qui en fait la deuxième sortie culturelle après le cinéma. Une fréquentation qui ne semble pas être affectée par la crise, car les adeptes des expositions blockbuster sont toujours prêts à faire la queue pendant des heures, qu’il pleuve ou qu’il vente, à débourser une dizaine d'euros puis à défiler en rangs serrés devant des œuvres qu'ils ne pourront consommer admirer qu’à la va-vite, mais parfois jusqu'au bout de la nuit - le Grand Palais a ouvert 24h/24 pour la fin de Picasso et les maîtres début 2009 -, avant de se retrouver à la dernière étape de ce parcours consumériste : l'inévitable boutique-cadeaux, temple du produit dérivé qui sert à rentabiliser la production de l'expo à coups de souvenirs souvent très kitch. A la sortie, on a l’impression d’avoir consommé des tableaux comme on avale un hamburger dans un fast food et la quantité d'œuvres prime évidemment sur la qualité de la visite.

Pour faire une expo blockbuster, il faut : un artiste tourmenté, une approche soi-disant nouvelle sur son œuvre, et l'opportunité unique de voir une réunion exceptionnelle d'œuvres dispersées dans le monde entier. Parmi les expositions d'art qui remportent les plus gros succès : l'Egypte, les impressionnistes, les artistes maudits (Van Gogh, Modigliani) ou les grandes figures de l'art moderne, ce que confirment les récents succès de Picasso et les maîtres au Grand Palais et Kandinsky au Centre Pompidou (plus de 700 000 visiteurs chacune). Le Musée de la Monnaie de Paris a affiché 150 000 visiteurs au compteur pour la rétrospective de David LaChapelle ; la Pinacothèque a totalisé 200 000 personnes pour l'exposition Valadon-Utrillo. Plus récemment, il y a eu aussi Munch ou l'anti-Cri à la Pinacothèque ou Sainte-Russie au Louvre, et à venir à la fin de cette année, Claude Monet au Grand Palais, ou Jean-Michel Basquiat au Musée d’Art Moderne, qui viendront grossir les rangs des expos blockbusters.

L’évenementialisation de l’art paraît inévitable et se constate aujourd’hui avec des expositions « d'artistes » faussement provocateurs mais véritables business men, comme Jeff Koons avec son homard à Versailles ou Damien Hirst et ses veaux et autres bestioles coupées en deux et plongées dans du formol. Selon Jerry Saltz, le célèbre critique d’art du New York Magazine, écrivant à propos des expositions de Koons à Versailles et au Met de New York en 2008, « tout cet art de foires flashy et ces installations hyper-produites et consommatrices d'espace bluffent un instant, jusqu'à ce qu'on passe au prochain événement générateur d'adrénaline », qu'il qualifie de « manières bêtes de dépenser de l'argent, séduire les ploucs, ne rien dire et mettre de côté ce qui serait plus petit, plus discret ou plus risqué ».

fluctuat.net, wikipedia.fr

No pictures, please !!!!

2010-08-27T15:11:00.004+02:00

Troisième jambe du trépied des musées parisiens avec le Louvre et Beaubourg, le Musée d'Orsay est gangréné par la connerie. Bien qu'il abrite nombre de chefs-d'œuvre inestimables de l'art du XIXème et XXème siècles, certaines personnes haut placées ont jugé bon que les photos et vidéos y seraient désormais interdites. La raison, enfin plutôt le prétexte fallacieux, à cette mesure est « qu'il agit de protéger les toiles pouvant être endommagées par des prises de vues à bout de bras via des téléphones mobiles ». Le risque est grand en effet que l'objectif de votre appareil photo mette ses gros doigts tout gras sur les toiles. La véritable raison invoquée par de nombreux internautes et que je partage est qu'il est plus rentable de vendre des mugs kitsch avec l'autoportrait de Van Gogh ou du PQ avec les Nymphéas de Monet dessus que d'accorder aux visiteurs le droit de ramener des souvenirs gratuits et personnels.

Cette décision semble ne pas être définitive, du moins espérons le, car le Louvre qui avait tenté de mettre en place semblable interdiction en 2005, a finalement fait marche arrière...par contre les flashes y sont toujours interdits.

Respect !!

2010-08-24T16:25:00.006+02:00

Puisqu'il m'arrive de pousser trop souvent des coups de gueule contre les imposteurs de l'art contemporain, je me prends à espérer qu'il existe encore des artistes talentueux trop peu médiatisés. Je laisserai donc le soin pour cette fois ci de tenir le fonds de commerce de l'indignation à la rubrique du courrier des lecteurs de Télérama.

Il m'a rarement été donné de visiter une expo aussi bien montée que celle consacrée à Ernest Pignon Ernest à l'espace Encan de La Rochelle : pas d'argumentaire superflu autre que la parole de l'artiste, une démarche artistique se situant en dehors de l'art formaté pour musées ou foire d'art contemporain (toute allusion à la FIAC ne serait que pure coïncidence) et les œuvres AAAH, les œuvres, Ernest Pignon-Ernest a plus fait pour faire descendre l'art contemporain de son piédestal que n'importe quel commissaire d'expo, galeriste, ou ministre de la culture réunis. Il était en effet l'un des premiers artistes a concevoir la rue comme un espace d'exposition et d'expression artistique. Avec une science (c'est un cran au dessus de la technique) maniaque du dessin que l'expo met parfaitement en valeur, ses œuvres ne sont pas sans rappeler celles de Caravage mais s'inscrivant dans une thématique sociale (chômage, misère), politique (lors du jumelage de Nice, sa ville natale avec Le Cap en pleine période d'Apartheid, ou lorsqu'il travaille sur un portrait de Pablo Neruda à Santiago sous la dictature de Pinochet), religieuse (descente de croix, ainsi que sa période napolitaine) ou mythologique. Un seul regret : l'expo était trop brève (6 semaines seulement), mais quand l'art pour tous se meurt, ça fait du bien de se prendre de temps en temps une bonne dose d'oxygène...

Lettre ouverte d'un sans galerie fixe à...

2010-08-06T07:12:00.001+02:00

Je voudrais à travers cette lettre te faire part de l’expérience artistique inoubliable à laquelle j’ai eu la chance d’être confronté le mois dernier au Musée Départemental de Beauvais, bien que confronté le mot soit faible puisqu’un choc frontal sans airbag et sans ceinture à 200 sur l’autoroute soit certainement moins brutal.
Cette lettre s’adresse à toi, ersatz d’artiste de mes deux, toi dont j’ai fort heureusement déjà oublié le nom (sois sûr que sans cette lacune je l’aurais volontiers mentionné) en espérant de tout cœur que la postérité sera frappée en ce qui te concerne de la maladie d’Alzheimer.
Lors de cette expo collective dont les têtes d’affiches s’appelaient encore une fois Boltanski et Messager auxquels j’espérais par ailleurs enfin échapper en visitant une expo non parisienne, tu as eu l’idée géniââââle, inédite, révolutionnaire, les mots me manquent, d’exposer tendus sur un banal filet une quinzaine de slips – propres, c’est la seule circonstance atténuante que l’on puisse t’accorder – aux côtés des œuvres des illustres représentants français de l’art comptant pour rien sur la scène internationale.
Tes slips immaculés sont, je le déplore encore une fois, hélas représentatifs du néant créatif de la scène artistique française (trop) visible qui se borne depuis Duchamp à la singerie pure et simple de celui qui osa LE PREMIER exposer un objet courant dans un évènement artistique d’envergure.
Face à la nullité ambiante des artistes sur-médiatisés qui ne font parler d’eux que par la controverse qu’ils suscitent (c’est d’ailleurs plus ou moins ce que je suis en train de faire), je préfère modestement exposer et vendre mes 11 « petits artistes » qui se démènent pour essayer de créer quelque chose de beau.
Sur ce, monsieur l’imposteur, je te prie de bien vouloir agréer en l’expression de ma plus profonde aversion à ton égard.

Nicolas Rousseau

PS Embrasse de ma part le ou la commissaire d’expo qui n’a pas pris la peine de justifier par un habituel bla-bla philosophico artistique ennuyeux la vacuité de ta démarche.

L’art du faux

2010-07-29T09:13:00.003+02:00

Si le marché de l’art tend à dégager une image respectable auprès de ceux qui n’y regardent pas de trop près celle-ci prend de temps à autre une rafale de plomb dans l’aile. Récemment, Guy Ribes artiste de son état a été appréhendé par la maréchaussée pour contrefaçon de 150 œuvres de Matisse, Picasso, Chagall, Léger, Renoir etc. bref pas n’importe qui. L’affaire aurait pu s’arrêter là si ce n’est que le trafic impliquait une douzaine de personnes chargées d’écouler les faux. Dépourvu de fibre commerciale mais doté d’un sérieux coup de pinceau, notre génial contrefacteur croisa la route d’un marchand parisien peu scrupuleux (encore un !!) qui revendait les toiles à des prix bien en dessous de la cote des artistes. S’étalant sur près de 15 ans ce trafic juteux a rapporté aux différentes personnes impliquées (une douzaine en tout) la bagatelle de plusieurs millions d’euros.

Seulement voilà, notre artiste semble avoir été lui aussi victime de manipulation de la part de ses commanditaires qui ne le payaient pas systématiquement ou très peu compte tenu des prix des œuvres. Résultat des courses, une vingtaine de victimes s'étaient portées parties civiles et certaines d'entre elles auraient déboursé jusqu'à 2 millions de francs (300.000 euros) pour acquérir des toiles qu'elles croyaient authentiques...ben oui, puisque elles étaient délivrées avec des certificats d’authenticité (quitte à faire les choses bien). Si la pratique de prendre les clients pour des buses est une maladie assez répandue chez les galeristes, la volonté de certaines personnes de posséder « un nom » tend parfois à céder aux sirènes de personnes qui jouent sur la célébrité du nom pour écouler leur marchandise. Cela n’est en rien gage d’authenticité (déjà à l’école, on apprend à ne pas copier sur les mauvais élèves), preuve en est faite, ni d’ailleurs de qualité quand bien même l’œuvre serait authentique : même Picasso ou Renoir ont fait des croûtes après tout...mais des croûtes chères.

Revenons à nos moutons, notre artiste, par ailleurs très doué puisque selon les termes de l’expert : « si Picasso était encore vivant, il l’embaucherait », a été condamné à trois ans d’emprisonnement dont deux avec sursis, l’auteur des faux certificats d’authenticité a 4 ans dont trois avec sursis et les autres membres du réseau à des peines légèrement inférieures à celles requises par le ministère public. Avis à ceux qui voudraient leur rendre visite au parloir, vous pourrez leur apporter des oranges, c’est bon et ça peut faire très joli en nature morte.

Regrets éternels

2010-07-26T18:06:00.004+02:00

Puisque je rentre de vacances et que mon humeur est encore momentanément au beau presque fixe, je voudrais laisser choir mon habituelle indignation pour me réjouir et enfin faire part d’une expérience institutionnelle positive en la personne de Joe Downing, enfin plutôt de ses œuvres puisque la logique des musées français qui est d’exposer des artistes qui soient soit morts, soit nuls est ici respectée dans la mesure où il est décédé en 2007.
J’ai trouvé en cet artiste, pourtant relégué au sous-sol du Musée Unterlinden de Colmar, enfin une démarche esthétique à travers sa touche fragmentée, colorée et kaléidoscopique. La difficulté était d’autant plus grande qu’il s’agit d’œuvres abstraites, genre pourtant visité et revisité plus souvent que Zahia ne l’a été par les joueurs de l’équipe de France (pardon je m’égare).
Sans doute bénéficiait-il d’une reconnaissance déjà bien établie (il est sur Wikipedia !) et je déplore encore une fois qu’il ait fallu qu’il passe l’arme à gauche pour découvrir son travail mais la conviction de croire encore en ce qu’il y a de beau renaît heureusement de temps en temps grâce à des artistes décédés. C’est triste et bien dommage et il s’agit ni plus ni moins que d’une lacune de ma part dans ma connaissance de l’art contemporain mais si on nous montrait moins de Boltanski et plus d’artistes de la trempe de Downing, l’art contemporain jouirait d’une meilleure crédibilité auprès des non-initiés et même de certains professionnels.

Reproductions en série illimitée...

2010-06-17T12:08:00.003+02:00

Profane en matière d’art contemporain, prends garde ! Si le fait d’acquérir une œuvre tirée en un nombre limité d’exemplaires peut paraître un bon moyen de se faire plaisir en sortant des sentiers battus de la déco Ikea, il faut savoir que nombre de marchands proposent à la vente des éditions soi-disant limitées (faut voir le nombre d’exemplaires : 200, 300, 500 voire 1000 !!). Ce qu’ils ne disent pas c’est que la limitation des tirages ne vaut que pour un format donné : une fois leurs 500 exemplaires écoulés rien ne les empêche (ils ne s’en privent pas d’ailleurs) de refaire 500 exemplaires dans un format différent. Cette pratique s’étend chez certains marchands peu scrupuleux (avec d’ailleurs la complicité de certains artistes) qui vendent des bronzes originaux en 12 exemplaires et une fois ceux-ci écoulés, font faire des agrandissements par le fondeur afin d’en proposer 12 autres exemplaires « originaux » pour répondre à la demande.
Si cette pratique reste malgré tout marginale (du moins j’ose encore l’espérer), elle existe et outre à prendre les gens qui achètent à des prix à 4 zéros pour des abrutis, met à bas la belle image clinquante et respectable du marché de l'art...Bien sûr, Dali dont la fibre commerciale était assez poussée savait que sa seule signature conférait une valeur à n’importe quelle page blanche. Chose qu’il ne s’est pas privé de faire, laissant toute latitude à l’imprimeur sur le nombre d’exemplaires et sur l’image à reproduire. Cela n’enlève rien à son talent mais ternit quand même l’image d’un artiste prêt à tout pour vendre ses œuvres.

A la mémoire de l’artiste inconnu

2010-06-03T10:46:00.004+02:00

On ne m’enlèvera pas de l’idée qu’il existe quelque part un(e) artiste dont le travail n’est pas (re)connu et qu’on découvrira seulement dans quelques décennies. Au même titre que les œuvres de Vermeer ont commencé à faire l’objet d’articles dans la presse artistique (il est vrai peu diffusée en 1866) près de deux cents ans après sa mort, et furent exposées au public dans le cadre d’une exposition personnelle en 1935 seulement, pourquoi le marché de l’art, avec son cynisme habituel a-t-il attendu si longtemps avant de le consacrer au Panthéon des artistes trop tard reconnus ? Si encore, Vermeer était le seul...Combien d’œuvres présentées dans nos musées ont été acquises du vivant du peintre ? Je ne parle pas des œuvres offertes gracieusement aux musées par les galeries et collectionneurs pour faire grimper artificiellement la cote de leurs protégés et qui finiront dans les réserves faute de place en attendant qu’il passe l’arme à gauche mais de celles acquises en dehors de tout copinage et de relation intéressée.

Bien sûr, au XVIIème siècle pour faire connaître son travail, c’était beaucoup plus compliqué qu’à l’époque du tout numérique et d’Internet. Les différentes plates-formes présentes sur le net permettent à tout artiste débutant ou confirmé de faire connaître son travail là où Vermeer était quasiment inconnu à l’extérieur de Delft. Bien sûr, la variété de « l’offre artistique » rend la démarche plus difficile pour le dénicheur de talent qui doit passer par une phase de sélection pointue obligatoire. D’autre part, le cas de Vermeer est un peu particulier dans le sens où le maître de Delft serait l’auteur de seulement 45 œuvres, dont 35 ont encore été conservées. Sa faible production n’a certes pas aidé à regrouper ses œuvres pour monter une expo…mais sa rareté fait aussi partie de son mythe.

Au voleur !!!!

2010-05-26T20:09:00.007+02:00

Si vous suivez de près l’actualité artistique, le vol de 5 toiles de Modigliani, Braque, Picasso, Léger et Matisse, ne vous a certainement pas échappé. Le lendemain du larcin (estimé tout de même a 500 millions d’euros), l’adjoint à la culture, Christophe Girard parlait de vol d’une « sophistication extrême », avant que l’on apprenne que le voleur avait simplement cassé une vitre et brisé un cadenas…non vous ne rêvez pas une cisaille et un cutter sont des objets hautement sophistiqués, fruits du dernier cri de la technologie qui feraient passer l’IPad pour une charrue à soc.

Au-delà, des défaillances du système de sécurité, on ne peut s’empêcher de pointer du doigt l’assurance des conservateurs qui partent du principe que même si certaines des toiles exposées seraient dérobées, elles seraient de toute façon invendables. Ce qui est vrai puisque les toiles volées ne sont pas des œuvres de petits maîtres, et sont désormais identifiées et répertoriées sur un fichier mis en place par Interpol en 2009 qui recense 34000 œuvres dérobées à travers le monde.

Le hic est qu’il ne s’agit pas d’une première, les exemples sont nombreux : un Magritte volé en plein jour à Bruxelles en septembre 2009, un carnet de dessins au musée Picasso à Paris en juin de la même année et plus récemment un pastel de Degas à Marseille en janvier dernier et j’en passe. Ceci est assez symptomatique des manquements en matière de sécurité de la part des musées européens. Sont-ils pour autant les seuls responsables ? Dans le cas du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, il semblerait que le système de sécurité ait été hors service depuis Mars, tuyau intéressant pour une personne mal intentionnée…De plus, par manque de moyens la plupart des Musées publics doivent faire appel à des sociétés de surveillance privées dont l’absentéisme et le laxisme sont pointés du doigt par les musées en question prompts à chercher un responsable ailleurs que dans leurs murs.

D’ici là, y a plus qu’à attendre le montant de la rançon, sûrement faramineux…autant vous dire que si vous voulez revoir ces œuvres un jour accrochées aux cimaises du MAM, va bien falloir que quelqu’un se dévoue pour mettre quelques euros dans le nourrain…d’ailleurs nous allons passer parmi vous.

Pourquoi tant de haine ?

2010-05-17T09:14:00.004+02:00

Si vous avez une âme de théoricien de l'art, je vous recommande le bouquin de Jean-Louis Harouel, La Grande Falsification – L'art contemporain, Ed Jean-Cyrille Godefroy que je viens de terminer récemment. Outre le fait qu'il rejoint plus ou moins en des termes plus philosophiques voire abscons le propos de ce modeste blog, sa vision est juste bien que parfois un peu trop tranchée.

Il situe la dérive de l'art à l'apparition de la photographie, coupable d'après lui d'avoir volé le monopole de la représentation dont bénéficiaient les artistes depuis toujours.

Dans le viseur également: les intégristes de l'art contemporain qui vouent une adoration aveugle à tout ce qui est exposé au Centre Pompidou ou au Palais de Tokyo ne laissent aucune place à ceux et celles qui font de l'art sans espoir d'accéder à une quelconque reconnaissance de la part des institutions. Il dénonce à juste titre les dévots (entendez par là ceux qui sacralisent l'artiste et l'art contemporain) dépourvus de sens critique participant à cette vaste supercherie. « L'art laisse la place à l'enflure du petit moi du soi-disant artiste, tout empli de la croyance en son prétendu génie », génie alimenté par lesdits dévots ainsi que par son propre narcissisme. Certes, Duchamp (mais si vous savez le planqué de la guerre de 14 qui préféra exposer une pissotière à New York plutôt que d'aller charcuter du Teuton dans la boue des tranchées) et Dada sont responsables de cette petite mort mais pas autant que ceux qui les encensent et les exposent.

Ce qui en revanche pose problème dans cet essai d'Harouel, est le fondement sur lequel il se base pour décréter qu'une œuvre est bien ou mal peinte, ou qu'un artiste est bon ou mauvais. La notion d'œuvre d'art pour lui semble s'arrêter au pré-impressionnisme voire en extrême limite à Picabia (exception faite de Lucian Freud) d'après des critères qui lui sont propres en éludant toute définition.

L'analyse d'Harouel est dure, fervent partisan du « c'était mieux avant », soutenant que la mission de l'artiste doit se limiter à « représenter le visible ». Au final, il dénonce les dogmes de l'art contemporain pour imposer les siens, les notions de bon et de vrai artiste et leurs opposés sont une constante dans cet essai qui vaut cependant la peine d'être lu par tout professionnel ou amateur éclairé de l'art au sens large.

Quand je pense à Fernando...

2010-05-12T17:49:00.004+02:00

Si vous avez acheté le hors série annuel du Figaro consacré au marché de l'art édité en partenariat avec Beaux Arts magazine, vous pourrez avoir un aperçu des grandes tendances du marché de l'art de l'année écoulée. Bien entendu, il s'agit du Figaro : ce hors-série s'adresse non pas à l'amateur démuni mais davantage au collectionneur averti et très muni. On peut ainsi découvrir les (ouvrez les guillemets avec des gants blancs svp) : « occasions à saisir », au rang desquelles figure une toile de Fernando Botero, Fille de Cirque, bradée à 280000 euros...c'est vrai qu'au prix d'un studio à Saint Germain des Prés ou d'une villa de 250 m² dans le Larzac, on peut s'acheter un Botero. A ce tarif là, il faudrait vraiment être le dernier des abrutis pour passer à côté d'une telle affaire, au prix de 23 années de salaire d'un smicard, vous pouvez même mettre votre Ferrari au clou les yeux fermés.

Le pire est que cet encart tombera probablement entre les mains d'un collectionneur, ou plutôt d'un spéculateur qui déléguera à son expert* ou à sa décoratrice d'intérieur le soin d'acquérir l'oeuvre.

Pour ceux qui se risqueraient à spéculer sur l'art, le hors-série du Figaro est trompeur, pour 99.9% des personnes qui acquièrent une oeuvre d'art quel que soit son prix, la motivation première est le plaisir esthétique.

Evidemment, si le Figaro ne parlait pas de pognon, il perdrait sa raison de vivre, mais la notion d'occasion à saisir a quelque chose de dérangeant. Le marché de l'art n'est pas celui de l'immobilier, le spéculateur ou plutôt l'expert du spéculateur y fait certes aussi la pluie et le beau temps du moins en ce qui concerne la cote des artistes (hélas), mais en revanche la spéculation n'est qu'une infime partie du marché réservée a quelques happy few finalement bien mal conseillés, puisque s'il est un domaine volatile et aléatoire en matière d'investissement c'est bien l'art contemporain.

* le titre d'expert en art en France n'est réglementé par aucune loi ni conditionné par aucun diplôme, dès lors n'importe qui peut apposer une plaque à côté de sa porte en s'autoproclamant expert en art contemporain, en montres, en étiquettes de camembert, ou en porte-clés.

No Mickey Day !!

2010-04-22T17:26:00.002+02:00

Je ne sais pas si c’est une tendance, ou une mode visuelle de l’art contemporain de s’approprier les personnages de Walt Disney pour les représenter encore et encore et toujours sur les toiles, mais la bande à Mickey (2d) qui inclus donc l’intéressé, Minnie, Picsou, Dingo, Riri, Fifi, Loulou et Donald squatte allégrement les toiles d’artistes contemporains qui ont passé trop de temps à Eurodisney...La sur-représentation frise désormais l’indigestion de souris et de canard, au même titre que celles de Marilyn et de soupe Campbell. Puisqu’il est fréquent de s’indigner de tout et de n’importe quoi, nous souhaiterions mettre en place un jour férié (chômé bien sûr !!) sans image de Mickey & co, ce qui revient à fermer les galeries promotrices d’artistes qui usent et abusent de l’image de la petite souris créée par papa Walt, mais aussi à suspendre les programmes de Disney Channel, et surtout à fermer l’usine à fabriquer de la joie enfantine de Marne la Vallée...
Si on profitait de ce jour pour suspendre les expositions de pots de fleurs sur les nappes à carreaux, les natures mortes aux harengs (même frais), les bateaux échoués à marée basse, et les paysages de Provence avec un champ de lavande, bon nombre d’artistes seraient en panne d’inspiration...au fait ça vaut aussi pour les sardines sur les nappes à fleurs...je vous parle même pas de Mickey sur une plage de Bretagne ou dans un champ de lavande...trop c’est trop !! Si le pop-art (Warhol en tête) s’est approprié des images de culture populaire, pas mal d’artistes d’aujourd’hui nous abreuvent d’icônes vues et revues en boucle. Est-ce encore possible de faire de l’art sans y intégrer une image de pub, de carte postale, ou d’Epinal ? La chasse à la souris, au canard, et au hareng est ouverte...

L’art animal...(extrait d’un article de Marianne n°673, du 22-26 mars)

2010-04-20T15:24:00.003+02:00

Sita, une femelle orang-outan tellement absorbée par ses dessins en oubliait ses devoirs de reproduction et souvent de manger. Elle est décédée des suites d’une grave maladie et ses compères (disciples ?) du zoo de Krefeld, en Allemagne poursuivent son œuvre. A la demande générale, ils ont poussé leur vétérinaire qui leur fournit des cartons et des toiles qu’ils posent sur leurs têtes en mordant leurs feutres lorsqu’ils sont en panne d’inspiration. Les primates exécutent des tableaux qui s’arrachent jusqu’à 300€ pièce et le produit des ventes sert à aménager un grand espace pour accueillir des gorilles.

Cinq idées reçues à propos de l’art contemporain (4/5) : L’art contemporain on peut le faire soi-même

2010-04-12T08:11:00.008+02:00

N’en déplaise à ses détracteurs, l’art contemporain n’est pas un passe-temps auquel vous pouvez vous consacrer entre midi et deux...enfin si, vous pouvez, mais de là à l’exposer et à en vivre il y a un monde. Pour ceux qui pensent que l’abstrait est à la portée de n’importe qui et que Picasso peignait comme un enfant de dix ans, l’art contemporain est une vaste supercherie, à les entendre, ils seraient capables de pondre des chefs d’œuvre à l’identique.En dehors du fait que copier c’est pas bien vu qu’on l’a (paraît-il) appris à l’école, ces grandes bouches, pour peu qu’on leur propose un châssis, des couleurs et des pinceaux se ravisent en général assez vite. Non, on ne s’improvise pas artiste du jour au lendemain et pour ceux qui se risqueraient à barbouiller dans le goût de... ; entre accrocher le résultat de votre fanfaronnade au dessus du buffet du salon et confronter votre croûte au regard du public dans une exposition personnelle ou collective, il y a un monde. Car, c’est bien de ça qu’il s’agit, le fait d’oser, l’outrecuidance, et là, la plupart du temps chez nos pseudos artistes, y a plus personne.
Si l'art contemporain tombe parfois dans le canular pur et simple, ce n'est que par les démarches d'artistes suiveurs lointains de M.Duchamp et qui se sont taillés un créneau porteur : le détournement d'objets du quotidien dont "l'artiste" n'est pas le créateur mais que son statut d'artiste l'autorise à dénommer "oeuvre d'art".

Revenons à nos artistes en herbe : ce n'est pas la peine de s'inscrire dans la même démarche que ces farceurs en venant grossir les rangs des artistes auto-proclamés. En vous inspirant de ces imposteurs, et quand bien même vous auriez réussi à franchir l'étape de la conception (en général, il y en a une, même très minime), la démarche n’aurait plus rien de personnel...

Autant vous ne vous privez pas de collectionner les dessins de vos rejetons, abstenez vous de vous essayer au ripolinage juste pour vous prouver à vous même qu'un artiste jusque là ignoré - à juste titre - sommeillait en vous.

Lucian Freud au Centre Pompidou (10 mars - 19 juillet 2010)

2010-04-08T15:50:00.005+02:00

Lucian Freud, âgé de 88 ans, n’est autre que le petit-fils du célèbre Sigmund Freud. Il naît à Berlin en 1922. Sa famille émigre en Grande-Bretagne dès 1933 pour échapper au nazisme. Sa première exposition a lieu en 1944 à la Lefevre Gallery, où Lucian Freud expose une toile désormais célèbre, The Painter's Room, où la juxtaposition incongrue de plantes et de personnages est représentative de sa période « surréaliste ».
En mai 2008, la toile Benefits Supervisor Sleeping de 1995 est vendue chez Christie's à New York pour plus de 33 millions de dollars (environ 23 millions d'euros), somme record pour la vente d'une œuvre peinte par un artiste vivant.

Le Centre Pompidou ne prend pas trop de risques, une fois de plus, dans sa programmation…entre Pierre Soulages et Lucian Freud, respectivement 90 et 88 ans, le temple de l'art contemporain consacre sa programmation à des petits jeunes !! Si le terme « rétrospective » a déjà une odeur de sapin, on peut s’interroger sur le manque d’audace des commissaires d’exposition et sur la politique de promotion d’artistes étatique.
Malgré tout, l’exposition présente un ensemble très complet de tableaux retraçant son œuvre : une cinquantaine de peintures en grand format, complétées par une sélection d'œuvres graphiques, ainsi que des photographies de l'atelier londonien de l'artiste.
Le thème de l’exposition est l'atelier de l’artiste, ce lieu intime qui fonde la peinture et la pratique de Lucian Freud. La singularité de son travail réside principalement dans le traitement minutieux du portrait et du nu. Le modèle est observé dans l’intimité de l'atelier. Lucian Freud ne commence à peindre des portraits qu’à partir des années 1950, la plupart du temps des nus. Il commence alors à employer une pâte plus épaisse et des couleurs de terre, dans une manière proche de celle de Rembrandt. Lucian Freud ne peint que ce qu'il place au sein de cet espace clos : il y installe ses modèles selon des mises en scène précises. Son hyperréalisme est accentué par la pose non apprêtée des modèles, simplement jetés là sur leur siège ou à même le sol. Il met en jeu le mobilier et les rares objets de l'atelier, accessoires récurrents des compositions : plante verte, canapé crevé, fauteuil usé, lit en fer, lavabo, murs maculés de peinture. L'artiste choisit ses modèles parmi ses amis, les membres de sa famille ou ses amis peintres.
Le thème de l'atelier porte en lui la métaphore de la peinture : le huis-clos entre le peintre et son modèle (depuis Rembrandt en passant par Courbet et Picasso), l'espace de la peinture – représentation du réel, processus de création -, la figure de l'artiste – autoportraits et relecture des maîtres.

Source : centrepompidou.fr

Le bide du 104

2010-04-07T16:18:00.009+02:00

Non, ça n'est pas un poisson d'avril... En pleine crise existentielle, le 104 va bientôt se retrouver sans tête, son duo initial de directeurs Robert Cantarella et Frédéric Fisbach ont annoncé leur décision de ne pas renouveler leur mandat, arrivé à terme en mars 2010.
Ceci suite à la décision de la Mairie de ne pas augmenter sa subvention de 8 millions €, sur un budget de fonctionnement de 12 millions. R. Cantarella et F. Fisbach réclamaient quant à eux une augmentation de 2 millions € de cette subvention, notamment pour alimenter les résidences d'artistes.
Une demande légitime mais assez irréaliste, quand on sait que le 104 affiche aujourd'hui un déficit qui oscille entre 560 000 et 800 000 €, selon les sources. « Sans cet argent, nous ne voyons pas comment poursuivre, indique Constance de Corbières, secrétaire générale, qui égrène des sommes dévorées par ces 39 000 m2 : 600 000 € pour les fluides (électricité, eau et chauffage), 800 000 € pour le ménage (!), 1,8 million € pour la sécurité… contre un million d’euros pour le projet artistique.».
Beaucoup de problèmes se sont posés au 104, notamment son manque d'ouverture et d'implantation dans le quartier. Le dépassement de budget a contribué aux difficultés, mais c’est aussi le projet artistique du 104 que la Mairie vient de désavouer. Les deux directeurs l’avaient pensé comme un « anti-musée », hébergeant des artistes en résidence, faisant dialoguer les disciplines et partageant l’art en direct au public. Une belle idée qui a su séduire les artistes mais qui n’a pas atteint l’audience espérée. Faute de médiation culturelle, le 104 est devenu hermétique. Privé de collections permanentes et d’une programmation étoffée, le 104 est souvent vide, en effet, la fréquentation n'est pas aussi bonne que souhaitée, car on sait que ce sont toujours les mêmes bobos, qui vont au théâtre, ou au Centre Pompidou, ou voir une performance au 104... Quant au souhait de faire des anciennes Pompes funèbres de la Ville de Paris un foyer de mixité sociale, la belle idée est restée au placard, car ayant investi 100 millions € dans la rénovation des bâtiments, la Mairie veut maintenant valoriser cet espace censé être le phare de sa politique culturelle.
Un appel à candidatures a été lancé pour désigner la nouvelle direction. En attendant, l'occupation du 104 a commencé ce jeudi 1er avril à 10h...

Source : fluctuat.net, la croix.com

Le street art à 5000€, est-ce encore du street art ? 2/2

2010-03-26T17:08:00.005+01:00

Les élus en question ne sont pas nés de la dernière pluie. Ces artistes qui ont la primeur des maisons de ventes prestigieuses sont souvent des post-jeunes ou des pré-seniors qui ont entre 45 et 60 ans. Misstic qu'on ne présente plus a enfin accédé à la reconnaissance et on oublie qu'elle a 53 ans...

Bien évidemment, ce n'est que l'arbre qui cache la forêt. La plupart des artistes contemporains quel que soit leur âge vivent souvent mal de leur art et la relève doit bien souvent passer par des jobs alimentaires pour pouvoir l'exercer. Le fait que ces artistes aient démarré en peignant dans les rues (et non en s'enfermant dans les galeries) les a rendus visuellement accessibles au passant qui y prête un peu d'attention. Celà a beaucoup fait pour leur renommée, tout en restant en dehors des circuits conventionnels du marché de l'art. La renommée rime bien sûr avec le montant des oeuvres et justifie souvent des prix élevés voire excessifs, cependant on ne peut leur reprocher de vouloir vivre correctement de leur art.

Il existe aussi un lien entre la quantité d'oeuvres crées et le prix de celles-ci, en effet, Warhol pouvait se permettre de vendre certaines oeuvres moins chères quand elles étaient fabriquées à la chaîne. Pour ceux qui se sont battus durant de longues années pour accéder à la reconnaissance en produisant peu, les prix de leurs oeuvres entretiennent la demande et les attentes des acheteurs. Du fait de leur caractère plutôt unique ou rare, ces oeuvres sont souvent moins soumises aux aléas de la mode et leur prix restent sensiblement les mêmes.

Pour ceux qui pensent que la place du street-art est dans la rue uniquement, on ne peut leur tenir rigueur de vouloir s'exposer gratuitement et au plus grand nombre, en perpétuant "l'essence" du street-art, ils font beaucoup plus pour sa diffusion et sa popularité que des maisons de ventes ou des galeries qui "découvrent" des artistes de 50 balais...

Quand la politique censure des artistes...

2010-03-19T16:45:00.006+01:00

Quatre mots qui dérangent : travailler, gagner, plus, moins. L’installation de l’artiste chinoise Siu Lan Ko a été démontée quelques heures après leur affichage sur la façade de l’École des Beaux-Arts, quai Malaquais. « Censure politique », dénonce l’artiste.« Un week-end de sept jours », une exposition collective à la connotation délibérément utopique, devait présenter du 13 au 21 février des œuvres d’étudiants du Royal College of Art de Londres, et de Lasalle College of the Arts de Singapour. Siu Lan Ko, qui connaît bien les Beaux-Arts de Paris pour y avoir passé deux ans en résidence, avait imaginé deux bannières réversibles de 7 mètres de haut sur 1,2 m de large, visibles depuis les quais de la Seine et incluant simplement quatre mots. Selon le chemin que l’on empruntait, on pouvait lire les mots ci-dessous.
Gagner Plus, Travailler Moins

Travailler Plus, Gagner Moins
Travailler Moins, Gagner Moins
Travailler Plus, Gagner Plus
Plus Gagner, Plus Travailler
Moins Gagner, Plus Travailler
Moins Travailler, Moins Gagner
Plus Travailler, Plus Gagner
Plus Gagner, Moins Travailler
Plus Travailler, Moins Gagner

Si on peut se questionner sur le côté artistique de la démarche, on peut en revanche difficilement comprendre en quoi elle suscite la réprobation de l’école des Beaux arts au point de faire décrocher les banderoles...difficile de croire à un côté subversif étant donné que la formule chère à notre président est déclinée sous différentes formes positives ou négatives. La politique est un sujet sensible et le monde de l’art ne manque pas d’artistes autrement plus engagés qui ne sont heureusement pourtant pas censurés. Si ces deux composants de nos vies que sont le travail et l'argent ne peuvent être abordés par les artistes contemporains sous prétexte que leus oeuvres déplaisent à la classe politique avec la complicité de l'école des Beaux Arts, la liberté de création risque d'avoir du plomb dans l'aile dans les anneés qui viennent...

L’Art de prendre les gens pour des buses...

2010-03-18T14:17:00.004+01:00

Pour l’amateur francilien de Munch, une expo lui est en ce moment consacrée. La Pinacothèque a voulu présenter son oeuvre, au-delà de cette　toile qu'elle ne considère pas représentative, en exposant essentiellement des oeuvres issues de collections privées. «　Le cri » est à Munch ce que la Joconde est à Leonard de Vinci　: une œuvre centrale et incontournable. Tellement incontournable que la Pinacothèque a jugé bon à l’en croire de ne pas chercher à l’exposer. Au-delà de la démarche – louable – de ne pas réduire l’œuvre de Munch (prononcez «　Monk　» si vous voulez passer pour un norvégianophone...c’est très chic et ça permet de briller pendant les vernissages où on s’emmerde) à cette toile, l’origine de cette expo se trouve dans le fait que deux des toiles exposées à Oslo (il en existe 4 versions) ont été volées ces quinze dernières années (1994 et 2004). Après une demande de rançon, une attaque à main armée et deux descentes de police, les deux toiles ont été retrouvées et ont réintégré leurs musées respectifs.
Depuis, les conservateurs norvégiens se montrent quelque peu réticents, c’est le moins que l’on puisse dire, à prêter leurs toiles aux expos consacrées à Munch à l’étranger. «Ce n'est pas une exposition par défaut, assure Dieter Buchhart, commissaire de cet «Anti-Cri»...ben voyons. On sait tous que s’ils avaient eu la possibilité d’exposer «　le Cri　», les ventes de billets et de catalogues d’expos auraient été tout autres...Décidément les commissaires d’expos trouvent toujours les moyens de vous faire payer...
Quelques idées d’expos　: «　le cubisme　» sans les «　Demoiselles d’Avignon　», «　l’Anti-Joconde chez Leonard　sans Mona Lisa», «　Picasso et les Ménines　» sans la célébrissime toile de Velasquez (vécu). Autant vous dire que si vous voulez des points de comparaison, va falloir aller faire un tour chez les Vikings...

Le street art à 5000€ : est-ce encore du street-art ? 1/2

2010-03-10T13:30:00.008+01:00

Depuis quelques années, le street-art est passé du statut d'art "délinquant" (pour ses détracteurs) à celui de branché. En témoignent, les expos de la fondation Cartier ("Né dans la rue"), du Grand Palais ("Tag au Grand Palais") et les ventes publiques organisées par Artcurial, Millon et associés, et Cornette de Saint-Cyr (à Drouot-Montaigne !)...des monuments du marché de l'art en France. Bien sûr, contrairement à la grande distribution quand les "gros" s'emparent de ce mouvement les prix ne vont pas s'effondrer bien au contraire.
Doit-on se réjouir de cette légitimité nouvelle ou la regretter ? Concernant les artistes présents sur la scène street depuis des années (JonOne, Speedy Graphito, Jef Aerosol...) qui ont acquis une certaines reconnaissance, ce n'est pas en graffant sur les murs de nos villes que ça fait bouffer son homme. Or l'essence même du street-art est comme son nom l'indique de faire de la rue une vaste galerie où l'art devient accessible à tous et gratuit. Y a pas comme un paradoxe ? Business is business...
Malgré tout, les estimations des œuvres de ces artistes restent encore raisonnables pour le moment. Tout étant relatif, même des grands formats (200x150cm) peuvent encore s'acquérir aux alentours de 2000€. Achetez maintenant demain ce sera plus cher...
Pour le profane comme pour l'amateur, le prix affiché en matière d'art est assez obscur, il ne peut se résumer comme un bien de consommation courante au coût de fabrication et à la marge de la galerie. Certains artistes acquièrent une reconnaissance si leurs oeuvres font partie de grandes collections privées, de musées ou simplement représentées par des galeries prestigieuses. Mais là encore, beaucoup d'appelés et peu d'élus...

Petit retour à Drouot

2010-03-04T10:38:00.003+01:00

A la suite des divers vols et recels pratiqués par les commissionnaires de l'hôtel Drouot (Cf. Post du 28/01), la direction de l'hôtel des ventes à décidé de procéder à un grand nettoyage : le monopole détenu par les Savoyards concerant le transport, la manutention et le magasinage des lots depuis Napoléon III est tombé. Le discrédit jeté sur la salle des ventes parisiennes suite à cette affaire à poussé la direction de l'hôtel des ventes à agir, désormais les commissionnaires devront partager leurs missions avec des prestataires extérieurs agrées par Drouot.

Cinq idées reçues à propos de l’art contemporain (3/5) : l’art contemporain, c’est incompréhensible

2010-03-02T16:59:00.005+01:00

Pour celui ou celle qui n’a jamais mis les pieds dans une exposition d’art contemporain et qui découvre une œuvre de Damien Hirst ou Jeff Koons (les deux artistes vivants les plus chers), la visite peut s’avérer un peu déroutante, entre la demi-vache plongée dans du formol et le homard géant suspendu dans la chambre du roi à Versailles, il faut bien « quelques explications ».
Mais qu’est-ce qui fait de ces installations des œuvres d’art au fond ? N’est-ce pas tout simplement le côté provoc’ et incongru de leur espace d’exposition, ou les riches et célèbres mécènes qui financent ces projets bling-bling. Concernant Koons, son droit d’entrée à Versailles n’a rien d’un hasard : l’ancien ministre de la culture et aujourd’hui président du château de Versailles est un proche de François Pinault, lui-même admirateur et collectionneur de Koons, c’est pratique les relations... Un homard dans la chambre royale c’est au mieux amusant, mais ça n’a aucun sens ni aucun rapport avec le lieu d’exposition... est-il seulement nécessaire d’apporter un début d’explication ?
Le débat enflammé qui en résulte amène davantage de visiteurs que les œuvres elles-mêmes (Cf. Koons, Boltanski pour ne citer qu’eux). L’incompréhension suscitée par ces expositions est entretenue par les professionnels qui gravitent autour de ces artistes, commissaires d’exposition, critiques d’art, qui propagent la bonne parole et entretiennent le dogme : l’art contemporain c’est beau, c’est bien, point.
Bien sûr, ces pontes pour la plupart sûrs de leur jugement ne laissent aucune place au doute ou à la controverse concernant la nature artistique des pièces exposées, préférant laisser les visiteurs dans une frustration confuse.
Et pour finir cet article, un petit exemple probant : « Long a façonné son image sur les idées de « dissémination » et de « parcours », concevant l’œuvre d’art comme une prise de possession d’un espace existentiel grâce au modèle géométrique de la rationalité. »
Guide de l’art, Solar.

100 euros à celui qui nous aidera à comprendre !!!

Zoom sur…deux artistes bisontines

2010-02-24T13:53:00.004+01:00

Caroline Checcacci et Emilie Muzy sont deux jeunes artistes qui ont accepté de travailler avec nous et de se lancer dans l’aventure du projet.
Nous allons vous faire découvrir leurs univers poétiques et atypiques sur le site très bientôt, mais voici en avant-goût sur le blog ce qui vous attend chez nos deux bisontines.

Caroline créé son propre univers à travers la broderie : poésie, douceur, originalité, sensibilité, légèreté, intimité, sont les quelques mots qui me paraissent refléter le mieux son travail. Elle transmet grâce au fil et à la photographie des émotions simples et directes qui nous ont vraiment séduites. Ses œuvres sont pleines de charme et de caractère, vous allez a-do-rer !!!

Emilie a plusieurs influences qui marquent particulièrement son travail dont le célèbre Hopper. C’est donc sans surprise que la réflexion et la recherche esthétique sont au cœur de sa peinture. Ses sujets souvent malicieux, espiègles, le traitement de la couleur et la vivacité du trait, donnent beaucoup de force à son travail. Tout comme chez Caroline, le thème de l’intime est très présent dans ses peintures. Emilie a une grande maitrise de son art et nous sommes heureux de vous faire découvrir cette jeune artiste pleine de talent.

Voici donc deux artistes accomplies dont l’avenir s’annonce prometteur ; c’est une belle découverte et une sympathique rencontre humaine, que nous sommes contents de vous faire partager !

Zoom sur…Guillaume Ponsin

2010-02-21T15:52:00.002+01:00

Quand nous avons parlé de notre projet à Guillaume Ponsin, nous recherchions un artiste d’expérience pour amener un regard impertinent sur les mille lieux du marché de l’art qu’il a cotoyé. Sur ce blog qui est le prolongement de notre futur site-galerie, nous présenterons régulièrement son regard sur l’actualité artistique ou sur l’actualité tout court.
Au cours de ses trente ans de carrière, Guillaume a exposé, peint, aimé (ou pas), sculpté, rêvé, observé tant d’œuvres que la candeur de son regard étonne.
Sa série, « doit-on rire de l’art contemporain ? » sera le fil rouge de ce blog à partir de la semaine prochaine. Face au milieu de l’art contemporain – kof, kof -, si peu enclin à se moquer de lui-même – prout, prout - et porté par les copinages – bling, bling – les individus de sa trempe et de son naturel se font trop rares. En effet, non seulement on peut mais on doit rire de l’art contemporain parce qu’il est risible pour celui qui n’y connaît rien mais aussi pour celui qui le connaît un tant soit peu.

Vous pouvez retrouver son blog perso et découvrir son travail (en particulier ses Machines à foutre le camp) à cette adresse : http://badillon.skyrock.com/

Cinq idées reçues à propos de l’art contemporain (2/5) : l’art contemporain, c’est moche

2010-02-15T16:12:00.002+01:00

D’abord, on ne dit pas : « c’est moche », on dit : « j’aime pas ». La différence entre les deux est que la première n’implique aucun avis personnel et peut être assimilé à une vérité absolue et invariable quelle que soit la personne qu’il l’exprime.
Ensuite, force est de constater que parfois…c’est moche. Bien sûr, tout dépend de l’œuvre et du spectateur, en effet : y a t il plus subjectif que l’art ? Certains artistes vont adopter une démarche résolument tournée vers une recherche esthétique, d’autres vers une idée originale, novatrice ou dénonciatrice sans que la plastique de l’œuvre ne soit une priorité, enfin (c’est plus rare) certains arrivent à combiner les deux.
Tout est une question d’école : l’art enseigné aux étudiants en France se doit d’être réfléchi, disséqué, voire (psych)analysé parfois au détriment du plaisir de l’œil.

Dans les pays de l’est, la formation des futurs artistes est axée davantage vers la facture de l’œuvre, et le trait. Le résultat n’est certes pas très original mais a le mérite d’être en général visuellement accessible…les idées simples sont souvent les mieux perçues pour ne pas dire les meilleures. Quand Guillaume Durand, dit que « nous avons une attitude attardée sur l’art » en déplorant le manque de pédagogie dont il fait l’objet, n’est-ce pas à l’art, aux artistes aux commissaires d’expositions, aux critiques de faire un effort pour se faire comprendre et accepter ? Pourquoi placer l’art sur un piédestal ? Comme si l’absence d’instruction artistique nous privait de tout droit de critique et de faculté de jugement…si vous trouvez ça moche c'est que vous n'avez aucune éducation.

Boltanski ou l'art du chiffon

2010-02-10T02:09:00.000+01:00

Son exposition « Monumenta 2010 : Personnes » au Grand Palais fait jaser…70 000 personnes sont déjà venues admirer des piles de vêtements censées symboliser les camps nazis et leur ambiance morbide. Il a investi 13.000 m2 et éteint le chauffage pour rendre l’angoisse plus réaliste. L’article d’Yves Jaeglé dans le Parisien du 5 février, mentionne quelques commentaires d’élèves de CM2 qui résument bien l’incompréhension d’une certaine partie du public : « Très joli le tas de linge sale » ou encore « mince ils ont dû dévaliser tous les Emmaüs alentour ».
Cela fait bientôt 100 ans que Duchamp a poussé l’impertinence jusqu’à exposer un urinoir, posant une question toujours d’actualité : est-ce de l’art du fait de la seule volonté de l’artiste ? L’art officiel sans chercher plus loin, s’est empressé de détourner cette question en affirmation (C’est de l’art !) : faisons-le donc entrer dans nos musées…sacré Marcel !!! Du coup, les œuvres contemporaines doivent être intellectualisées, expliquées, replacées dans leur contexte, investir l’espace…une fois ces démarches effectuées (à la portée d’un gamin de 5 ans), peut être aurez-vous la révélation…c’est de l’Art avec un grand AAAAAAHHH.
Plus généralement, l’art contemporain institutionnel a divisé en deux les sentiments à son égard : d’une part ceux qui comprennent (ou font semblant pour avoir l’air dans le coup !) et qui encensent (commissaires d’expo, journaux spécialisés, critiques d’art etc.) et d’autre part ceux qui ne comprennent pas et qui par peur de passer pour des cons ou des incultes n’osent pas s’exprimer. Les premiers forts de leur arrogance essaient de justifier la démarche de l’immense artiste hexagonal à grands renforts d’une armée de 35 « pédagogues » chargés d’éduquer les masses infantilisées. Les seconds qui croient encore naïvement que l’art doit passer par la beauté plastique d’une œuvre restent – au mieux – perplexes. A force de placer l’art contemporain sur un piédestal, on lui enlève toute spontanéité : après une phase d’apprentissage, vous serez a même de ressentir une émotion (!) au contact de l’art contemporain…si vous n’en avez pas, vous êtes insensible…ou attardé.

Cinq idées reçues à propos de l’art contemporain (1/5) : L’art contemporain c’est cher.

2010-02-03T14:40:00.001+01:00

Depuis bien longtemps, l’art contemporain a du mal à se débarrasser de certaines étiquettes parfois encombrantes. La première d’entre elles est son prix. Dans la pensée d’une grande majorité l’art est avant tout facteur de prix : « C’est cher donc, c’est de l’art » ou pire, le fatal : « c’est cher donc, c’est beau », comme si l’esthétisme devait nécessairement se payer quelques milliers d’euros. Un prix élevé ne se justifie que par une demande portée par quelques collectionneurs « érudits » qui ont compris et qui cautionnent la démarche de l’artiste parfois au détriment du bon sens : en atteste « la merde » (au sens propre ou plutôt sale) en conserve de Piero Manzoni qui dépasse encore 30000€. Est-ce la démarche de l’artiste qui est critiquable ou celle de l’acquéreur ?
De plus, si certaines œuvres de grands maîtres flirtent à plusieurs dizaines de millions d’euros (comptez jusqu'à 140 millions de $ pour un Pollock !), n’est pas François Pinault qui veut. Cette image qui lui est associée depuis des lustres tend à s’atténuer ces dernières années avec une démocratisation de l’art portée par des foires (Affordable Art Fair, Art Shopping etc.), ou des galeries (Carré d’artistes, Art Génération, Galerie des multiples, Urban Art Avenue etc.) qui proposent des œuvres originales à des prix attractifs (à partir de 80€). Avec une demande portée par une base plus large, les prix baissent (sauf en matière de téléphonie), CQF (presque) D.

Petit retour en arrière : Plusieurs employés de l'hôtel des ventes Drouot arrêtés pour trafic d'œuvres.

2010-01-28T13:59:00.000+01:00

S’il est un lieu incontournable en matière d’art en France, c’est bien l’hôtel Drouot. Ce lieu dévolu aux ventes publiques depuis la deuxième République, brasse une foule et des millions d’euros chaque année. Véritable baromètre des tendances du marché de l’art en France, ce lieu est le pré carré des Savoyards, manutentionnaires en situation de monopole pour tout ce qui concerne le transport d’œuvres relatif à l’établissement parisien. La descente de police menée par l’OCBC début décembre a mis au jour un trafic organisé depuis des années et jeté le discrédit sur cette institution.
En dehors du fait que la profession exclusivement réservée aux natifs de Savoie veille jalousement à son monopole de fait (certains y verront une forme de discrimination établie depuis plus de 150 ans), ces pratiques risquent de mettre à mal la place parisienne déjà malmenée par la concurrence des duettistes Christie’s et Sotheby’s.
Wait and see…

Zoom sur…4 artistes clermontois

2010-01-23T20:01:00.000+01:00

Vous pourrez retrouver sur notre site nos quatre artistes clermontois : Marjorie, Vincent, Laetitia et Marc. Ce premier zoom leur est consacré, d’autres suivront prochainement.
Anciens membres du collectif d’artistes le Cent mètre carré, leurs univers nous ont séduit pour leur fraîcheur, leur simplicité esthétique et leur gaieté.
Laetitia et Marc créent des personnages enfantins, sous forme de petits animaux naïfs et colorés qui font craquer petits et grands. A l’image de notre sélection artistique, Laetitia et Marc plus connus sous le nom de MKT4, nous proposent de l’art sans chichis ni masturbation intellectuelle.
Marjorie, artiste éclectique, orientée pop-art, et imprégnée de culture asiatique, nous invite dans son univers ludique.
Vincent, alias Pulcomayo, crée des petits monstres tout mignons qu’il n’hésite pas à massacrer à la hache ( !), des toys colorés, des stickers rigolos. L’imagination et l’humour sont au cœur de son travail.

Ami(e) ou ennemi(e) de l'art contemporain ce blog est fait pour toi !!

2010-01-19T15:28:00.000+01:00

Urban Art Avenue est né de l’idée de deux anciens étudiants de l’ICART (Institut Supérieur des Carrières Artistiques), Salomé Spach (promo 2007) et Nicolas Rousseau (promo 2005).
Nous avons pris le parti de mettre en place une galerie d'art virtuelle afin de nous servir du web comme tremplin afin de basculer vers une galerie plus conventionnelle à moyen terme. Chose impossible dans l’immédiat, dans la mesure où comme chacun sait une galerie est un commerce le plus souvent situé dans des zones touristiques, à fort passage, et les prix des fonds de commerce qui vont avec.
Plutôt que de rechercher des artistes reconnus, cotés, et de nous adresser à une clientèle fortunée, nous prenons le parti de promouvoir - via Internet, mais pas uniquement - de jeunes artistes dont la démarche s’oriente davantage vers l’esthétisme (pour reprendre les termes de Sophie Colon : « juste pour faire joli ») que vers un concept qui révolutionnerait l’histoire de l’art…
Nous avons choisi d’offrir une « déco alternative », de diffuser le travail de ces artistes comme étant un vecteur de promotion pour eux comme pour nous. Nous nous positionnons en alternative aux grandes galeries incomprises d’une grande part de la population « non initiée » aux canons (oserais-je parler d’esthétique !) de l’art contemporain.
Vous pourrez à travers ce blog (qui préfigure notre futur site), découvrir une quinzaine d’artistes que nous avons sélectionné, acheter leurs œuvres (à partir de 100€), nous faire part de vos impressions, vous tenir au courant de l’actualité des expos de la galerie, ou réagir à l'actualité artistique.
Pour finir, nous souhaitons à tous nos proches, amis, artistes et futurs clients, une très belle année 2010, pleine de réussite et de bonheur.