No pictures, please !!!!

Troisième jambe du trépied des musées parisiens avec le Louvre et Beaubourg, le Musée d'Orsay est gangréné par la connerie. Bien qu'il abrite nombre de chefs-d'œuvre inestimables de l'art du XIXème et XXème siècles, certaines personnes haut placées ont jugé bon que les photos et vidéos y seraient désormais interdites. La raison, enfin plutôt le prétexte fallacieux, à cette mesure est « qu'il agit de protéger les toiles pouvant être endommagées par des prises de vues à bout de bras via des téléphones mobiles ». Le risque est grand en effet que l'objectif de votre appareil photo mette ses gros doigts tout gras sur les toiles. La véritable raison invoquée par de nombreux internautes et que je partage est qu'il est plus rentable de vendre des mugs kitsch avec l'autoportrait de Van Gogh ou du PQ avec les Nymphéas de Monet dessus que d'accorder aux visiteurs le droit de ramener des souvenirs gratuits et personnels.

Cette décision semble ne pas être définitive, du moins espérons le, car le Louvre qui avait tenté de mettre en place semblable interdiction en 2005, a finalement fait marche arrière...par contre les flashes y sont toujours interdits.

Respect !!

Puisqu'il m'arrive de pousser trop souvent des coups de gueule contre les imposteurs de l'art contemporain, je me prends à espérer qu'il existe encore des artistes talentueux trop peu médiatisés. Je laisserai donc le soin pour cette fois ci de tenir le fonds de commerce de l'indignation à la rubrique du courrier des lecteurs de Télérama.

Il m'a rarement été donné de visiter une expo aussi bien montée que celle consacrée à Ernest Pignon Ernest à l'espace Encan de La Rochelle : pas d'argumentaire superflu autre que la parole de l'artiste, une démarche artistique se situant en dehors de l'art formaté pour musées ou foire d'art contemporain (toute allusion à la FIAC ne serait que pure coïncidence) et les œuvres AAAH, les œuvres, Ernest Pignon-Ernest a plus fait pour faire descendre l'art contemporain de son piédestal que n'importe quel commissaire d'expo, galeriste, ou ministre de la culture réunis. Il était en effet l'un des premiers artistes a concevoir la rue comme un espace d'exposition et d'expression artistique. Avec une science (c'est un cran au dessus de la technique) maniaque du dessin que l'expo met parfaitement en valeur, ses œuvres ne sont pas sans rappeler celles de Caravage mais s'inscrivant dans une thématique sociale (chômage, misère), politique (lors du jumelage de Nice, sa ville natale avec Le Cap en pleine période d'Apartheid, ou lorsqu'il travaille sur un portrait de Pablo Neruda à Santiago sous la dictature de Pinochet), religieuse (descente de croix, ainsi que sa période napolitaine) ou mythologique. Un seul regret : l'expo était trop brève (6 semaines seulement), mais quand l'art pour tous se meurt, ça fait du bien de se prendre de temps en temps une bonne dose d'oxygène...

Lettre ouverte d'un sans galerie fixe à...

Je voudrais à travers cette lettre te faire part de l’expérience artistique inoubliable à laquelle j’ai eu la chance d’être confronté le mois dernier au Musée Départemental de Beauvais, bien que confronté le mot soit faible puisqu’un choc frontal sans airbag et sans ceinture à 200 sur l’autoroute soit certainement moins brutal.
Cette lettre s’adresse à toi, ersatz d’artiste de mes deux, toi dont j’ai fort heureusement déjà oublié le nom (sois sûr que sans cette lacune je l’aurais volontiers mentionné) en espérant de tout cœur que la postérité sera frappée en ce qui te concerne de la maladie d’Alzheimer.
Lors de cette expo collective dont les têtes d’affiches s’appelaient encore une fois Boltanski et Messager auxquels j’espérais par ailleurs enfin échapper en visitant une expo non parisienne, tu as eu l’idée géniââââle, inédite, révolutionnaire, les mots me manquent, d’exposer tendus sur un banal filet une quinzaine de slips – propres, c’est la seule circonstance atténuante que l’on puisse t’accorder – aux côtés des œuvres des illustres représentants français de l’art comptant pour rien sur la scène internationale.
Tes slips immaculés sont, je le déplore encore une fois, hélas représentatifs du néant créatif de la scène artistique française (trop) visible qui se borne depuis Duchamp à la singerie pure et simple de celui qui osa LE PREMIER exposer un objet courant dans un évènement artistique d’envergure.
Face à la nullité ambiante des artistes sur-médiatisés qui ne font parler d’eux que par la controverse qu’ils suscitent (c’est d’ailleurs plus ou moins ce que je suis en train de faire), je préfère modestement exposer et vendre mes 11 « petits artistes » qui se démènent pour essayer de créer quelque chose de beau.
Sur ce, monsieur l’imposteur, je te prie de bien vouloir agréer en l’expression de ma plus profonde aversion à ton égard.


Nicolas Rousseau


PS Embrasse de ma part le ou la commissaire d’expo qui n’a pas pris la peine de justifier par un habituel bla-bla philosophico artistique ennuyeux la vacuité de ta démarche.

L’art du faux

Si le marché de l’art tend à dégager une image respectable auprès de ceux qui n’y regardent pas de trop près celle-ci prend de temps à autre une rafale de plomb dans l’aile. Récemment, Guy Ribes artiste de son état a été appréhendé par la maréchaussée pour contrefaçon de 150 œuvres de Matisse, Picasso, Chagall, Léger, Renoir etc. bref pas n’importe qui. L’affaire aurait pu s’arrêter là si ce n’est que le trafic impliquait une douzaine de personnes chargées d’écouler les faux. Dépourvu de fibre commerciale mais doté d’un sérieux coup de pinceau, notre génial contrefacteur croisa la route d’un marchand parisien peu scrupuleux (encore un !!) qui revendait les toiles à des prix bien en dessous de la cote des artistes. S’étalant sur près de 15 ans ce trafic juteux a rapporté aux différentes personnes impliquées (une douzaine en tout) la bagatelle de plusieurs millions d’euros.

Seulement voilà, notre artiste semble avoir été lui aussi victime de manipulation de la part de ses commanditaires qui ne le payaient pas systématiquement ou très peu compte tenu des prix des œuvres. Résultat des courses, une vingtaine de victimes s'étaient portées parties civiles et certaines d'entre elles auraient déboursé jusqu'à 2 millions de francs (300.000 euros) pour acquérir des toiles qu'elles croyaient authentiques...ben oui, puisque elles étaient délivrées avec des certificats d’authenticité (quitte à faire les choses bien). Si la pratique de prendre les clients pour des buses est une maladie assez répandue chez les galeristes, la volonté de certaines personnes de posséder « un nom » tend parfois à céder aux sirènes de personnes qui jouent sur la célébrité du nom pour écouler leur marchandise. Cela n’est en rien gage d’authenticité (déjà à l’école, on apprend à ne pas copier sur les mauvais élèves), preuve en est faite, ni d’ailleurs de qualité quand bien même l’œuvre serait authentique : même Picasso ou Renoir ont fait des croûtes après tout...mais des croûtes chères.

Revenons à nos moutons, notre artiste, par ailleurs très doué puisque selon les termes de l’expert : « si Picasso était encore vivant, il l’embaucherait », a été condamné à trois ans d’emprisonnement dont deux avec sursis, l’auteur des faux certificats d’authenticité a 4 ans dont trois avec sursis et les autres membres du réseau à des peines légèrement inférieures à celles requises par le ministère public. Avis à ceux qui voudraient leur rendre visite au parloir, vous pourrez leur apporter des oranges, c’est bon et ça peut faire très joli en nature morte.

Regrets éternels

Puisque je rentre de vacances et que mon humeur est encore momentanément au beau presque fixe, je voudrais laisser choir mon habituelle indignation pour me réjouir et enfin faire part d’une expérience institutionnelle positive en la personne de Joe Downing, enfin plutôt de ses œuvres puisque la logique des musées français qui est d’exposer des artistes qui soient soit morts, soit nuls est ici respectée dans la mesure où il est décédé en 2007.
J’ai trouvé en cet artiste, pourtant relégué au sous-sol du Musée Unterlinden de Colmar, enfin une démarche esthétique à travers sa touche fragmentée, colorée et kaléidoscopique. La difficulté était d’autant plus grande qu’il s’agit d’œuvres abstraites, genre pourtant visité et revisité plus souvent que Zahia ne l’a été par les joueurs de l’équipe de France (pardon je m’égare).
Sans doute bénéficiait-il d’une reconnaissance déjà bien établie (il est sur Wikipedia !) et je déplore encore une fois qu’il ait fallu qu’il passe l’arme à gauche pour découvrir son travail mais la conviction de croire encore en ce qu’il y a de beau renaît heureusement de temps en temps grâce à des artistes décédés. C’est triste et bien dommage et il s’agit ni plus ni moins que d’une lacune de ma part dans ma connaissance de l’art contemporain mais si on nous montrait moins de Boltanski et plus d’artistes de la trempe de Downing, l’art contemporain jouirait d’une meilleure crédibilité auprès des non-initiés et même de certains professionnels.

Reproductions en série illimitée...

Profane en matière d’art contemporain, prends garde ! Si le fait d’acquérir une œuvre tirée en un nombre limité d’exemplaires peut paraître un bon moyen de se faire plaisir en sortant des sentiers battus de la déco Ikea, il faut savoir que nombre de marchands proposent à la vente des éditions soi-disant limitées (faut voir le nombre d’exemplaires : 200, 300, 500 voire 1000 !!). Ce qu’ils ne disent pas c’est que la limitation des tirages ne vaut que pour un format donné : une fois leurs 500 exemplaires écoulés rien ne les empêche (ils ne s’en privent pas d’ailleurs) de refaire 500 exemplaires dans un format différent. Cette pratique s’étend chez certains marchands peu scrupuleux (avec d’ailleurs la complicité de certains artistes) qui vendent des bronzes originaux en 12 exemplaires et une fois ceux-ci écoulés, font faire des agrandissements par le fondeur afin d’en proposer 12 autres exemplaires « originaux » pour répondre à la demande.
Si cette pratique reste malgré tout marginale (du moins j’ose encore l’espérer), elle existe et outre à prendre les gens qui achètent à des prix à 4 zéros pour des abrutis, met à bas la belle image clinquante et respectable du marché de l'art...Bien sûr, Dali dont la fibre commerciale était assez poussée savait que sa seule signature conférait une valeur à n’importe quelle page blanche. Chose qu’il ne s’est pas privé de faire, laissant toute latitude à l’imprimeur sur le nombre d’exemplaires et sur l’image à reproduire. Cela n’enlève rien à son talent mais ternit quand même l’image d’un artiste prêt à tout pour vendre ses œuvres.

A la mémoire de l’artiste inconnu

On ne m’enlèvera pas de l’idée qu’il existe quelque part un(e) artiste dont le travail n’est pas (re)connu et qu’on découvrira seulement dans quelques décennies. Au même titre que les œuvres de Vermeer ont commencé à faire l’objet d’articles dans la presse artistique (il est vrai peu diffusée en 1866) près de deux cents ans après sa mort, et furent exposées au public dans le cadre d’une exposition personnelle en 1935 seulement, pourquoi le marché de l’art, avec son cynisme habituel a-t-il attendu si longtemps avant de le consacrer au Panthéon des artistes trop tard reconnus ? Si encore, Vermeer était le seul...Combien d’œuvres présentées dans nos musées ont été acquises du vivant du peintre ? Je ne parle pas des œuvres offertes gracieusement aux musées par les galeries et collectionneurs pour faire grimper artificiellement la cote de leurs protégés et qui finiront dans les réserves faute de place en attendant qu’il passe l’arme à gauche mais de celles acquises en dehors de tout copinage et de relation intéressée.

Bien sûr, au XVIIème siècle pour faire connaître son travail, c’était beaucoup plus compliqué qu’à l’époque du tout numérique et d’Internet. Les différentes plates-formes présentes sur le net permettent à tout artiste débutant ou confirmé de faire connaître son travail là où Vermeer était quasiment inconnu à l’extérieur de Delft. Bien sûr, la variété de « l’offre artistique » rend la démarche plus difficile pour le dénicheur de talent qui doit passer par une phase de sélection pointue obligatoire. D’autre part, le cas de Vermeer est un peu particulier dans le sens où le maître de Delft serait l’auteur de seulement 45 œuvres, dont 35 ont encore été conservées. Sa faible production n’a certes pas aidé à regrouper ses œuvres pour monter une expo…mais sa rareté fait aussi partie de son mythe.